Eigenwilliger Indie-Pop mit großen Gesten. Ende Januar kommt das neue Album Mine Is Yours raus. Damit finden die Cold War Kids zurück zu ihrem eigenwilligen Soul Punk Sound, aber mit großen Pop-Gesten. Einen Eindruck zum neuen Album gibt es auf der bandeigenen Website in Form eines Videoteasers zum großartigen Song Royal Blue. Die Plattenfirma schreibt zum neuen Album: The result is Cold War Kids’ most fully formed music to date, an album they only imagined they could have made back in the days of their guerrilla practices and late-night conversations. Passion and honesty.

Die New Yorkerin Hesta Prynn, die mit bürgerlichem Namen Julie Potash heißt, war bis 2008 Mitglied der Rapformation Northern State. Seit 2008 ist sie nun alleine unterwegs – Unterstützung erhält sie dabei u.a. von Chuck Brody, der auch schon Wu-Tang-Clan oder Lykke Li unter die Arme gegriffen hat. Tanzbarer Electro, Hip-Hop, Indie-Pop. »Take one listen to her brand of electro-hip-hop-art-rock, and you’ll most likely be on your ass begging for more†”in the best way possible. In the same manner that Andy Warhol and The RZA artistically tore up the Big Apple, she’s a maverick in the classic “New York” sense of the word. “Woah Woah” and “Recall” ride a thin line between indie elegance and gutter hip hop attitude. The former Northern State MC remains an underground artist with a chic sense of style and a visionary take on all things outside the norm.  Flipping her sonic switchblade through cuts like “Seven Sisters,” she shifts from ethereal crooning to raucous ranting on the drop of a dime. She’s constructed an aural enigma that could only come from an old school Nintendo-playing, horror movie fanatic who’s got a keen fashion sense. With a full-length debut on the way, Hesta Prynn is about to be everywhere. Plus, she has a mean left hook live…« (Rick Florin)

Die Band aus Brighton ist bei Matador unter Vertrag, Heimat von Künstlern wie Sonic Youth, Pavement oder Yo La Tengo. Im Januar 2011 nun erscheint weltweit ihr erstes Album Violet Cries. Wer beim diesjährigen Haldern Pop Festival oder Dockville war, hatte bereits Gelegenheit, sich selbst ein Bild von der 2008 gegründeten Band zu machen. Ganz in Kunstnebel und fahles Licht gehüllt, präsentieren Esben & The Witch im Spiegelzeit erstmals auf einer hiesigen Bühne ihre hypnotisch-mystischen Frost-Sounds. Die markant unterkühlte Stimme von Sängerin und Bassistin Rachel Davies bildet live wie auf Platte zusammen mit den extrem hallenden Gitarren und eindringlichen Rhythmen ein Netz aus dunklen Wave- und Indiesounds. »Nightmare-Pop« ist das Wort, das in der britischen Presse eigens erfunden wurde, um die klaustrophobischen Kompositionen von Esben & The Witch zu verbildlichen.

Dylan Baldi alias Cloud Nothings aus Cleveland, Ohio, ist Youngster der Stunde. Die imperfekte Mischung aus den frühen Libertines, dem Homerecording-Wahsinn der Guided By Voices und der Unbeschwertheit des schottischen Kultlabels Postcard Records (Orange Juice, Josef K,) lassen die Herzen der LoFi-Gemeinde höher schlagen. Als 18-Jähriger begann er im Keller seiner Eltern mit Computer und Mikrofon seine ersten musikalischen Gehversuche, die er als Tape im Selbstvertrieb unter die Leute brachte. Danach ging alles ganz schnell. Nach diversen Toursupport- Shows für u.a. Wavves, Best Coast oder Kurt Vile, erschien im Oktober 2010 sein Debütalbum Turning On. Im November folgten Konzerte im Zuge der WICHITA 10th Anniversary Tour als Support für Les Savy Fav in England und Deutschland. Am 28.01 wird Cloud Nothings nun sein neues Album Cloud Nothings auf Wichita veröffentlichen und dafür mit Band auf Headline Tour nach Europa kommen. Auf ein exklusives Deutschlandkonzert dürfen wir uns am 02. März im Berliner LEVEE CLUB (Ex-Bang Bang Club) freuen.

Aus dem unerschöpflichen Pool Chicagoer Underground-Bands haben im letzten Jahr Maps & Atlases musikalisch den Schritt in die Welt gewagt und nach einer Hand voll EPs endlich ihr Albumdebüt veröffentlicht. Nun verlassen sie auch physisch ihr Zuhause und beehren uns hierzulande für einige Auftritte und stellen uns Perch Patchwork live vor. Nach zwei Debüts, die sich am ehesten noch als relativ komplexer Mathrock beschreiben lassen, weitete die Band ihren Anspruch aus. Aus vetrackten Arrangements wurde kunstfertige Schönheit, instrumentale Fähigkeiten fließen stärker in die Songs selbst ein, sind immer noch essentiell, aber müssen nicht wahrgenommen oder geschätzt werden, damit man Gefallen an dieser Musik findet. Ähnliches haben bereits Grizzly Bear geschaffen, auch Okkervil River oder manchmal Vampire Weekend mögen in den Sinn kommen, wenn Verttracktes sich ohne Ziererei bezaubernden, aber energetischen Songs dienstbar macht

Im letzten Jahrzehnt erschienen vor allem in Großbrittanien einige Compilations mit Namen wie Under The Influence…, wo Bands und Einzelkünstlern die Gelegenheit gegeben wurde, in Mixtape-Manier ihre Prägungen zu dokumentieren. Doch dabei wurden lediglich die Originale aneinandergereiht. Selbst wenn – wie im Falle von Morrissey – das Konterfei des Künstlers auf dem Cover lockte, waren ein paar Anmerkungen des Meisters schon das Höchste der Gefühle. Nach Art der in der Literatur schon lange etablierten »Lesebücher« ließen die Künstler lieber diejenigen sprechen (bzw. singen), denen sie viele ihrer Inspirationen verdankten. Ein hübsches Nebenbei für Fans, aber dabei blieb es denn auch. Bart Davenport zeigt jedoch auf seiner Songkollektion Searching For Bart Davenport, wie präsent viele Musikerinnen und Musiker – oder auch nur bestimmte Songs – für ihn immer noch sind, indem er sie hier und jetzt interpretiert. Im April kann man den Kalifornier live erleben.

Phantom Ghost sind Dirk von Lowtzow (Sänger, Gitarrist und Songwriterkopf bei Tocotronic) und Thies Mynther (Musiker bei Stella und Superpunk und u.a. Chicks On Speed-Produzent). Gemeinsam betreiben sie ein intelligentes Spiel mit Künstlichkeiten, Manierismen, exaltierten Zitaten und theatralen Posen in Reinform. Als Konsens-Projekt der Indie und Elektronikszene vor 10 Jahren gestartet, haben sie ihr Instrumentarium seit 2009 auf Piano und Gesang reduziert. Das Ergebnis ist eine eskapistische Salonmusik zwischen Variete und Liedgut. Unterstützt werden die beiden an diesem Abend von der Berlinerin Michaela Meise, die auch auf dem letzten Album von Phantom Ghost als Gastsägerin zu hören war. Dirk von Lowtzow revanchierte sich mit einem Duo auf ihrem Debütalbum, welches im Februar 2011 auf dem Hamburger Label Cloudshill erschienen ist. Mit dem Titel Preis den Todesüberwinder hat Michaela Meise sich getraut, was sich sonst niemand traut: Eine unironische Vertonung von deutschen Kirchenliedern, vorgetragen mit Stimme und Akkordeon. Post-Post-Modernismus zwischen Nico und Konzeptkunst. Das Konzert ist bestuhlt. Aufgrund der begrenzten Sitzplätze wird der Vorverkauf empfohlen

Rockige Salven, geschrien von verschwitzten Bühnen. Sich verausgabende Soulsänger in fantastischen Kostümen. Ein Songwriter, versunken in seine Gitarre. Das rhythmische Klappern von Flamenco-Absätzen auf Holz – wenn bewegte Bilder und bewegende Töne zusammenkommen, entstehen Emotionen. Diesen Emotionen huldigt das IN-EDIT-Musikfilmfestival dieses Jahr vom 5. bis 10. April zum ersten Mal in Deutschland im Berliner Kino Moviemento. IN-EDIT präsentiert während 6 Tagen über 25 Musikdokumentarfilme und baut darum herum ein vielfältiges Begleitprogramm von Showcases, Round Tables und Q&As.
Das ausgesuchte Programm von IN-EDIT zeigt Filmproduktionen der letzten zwei Jahre, von Indie über Rock und Soul bis hin zu Flamenco, einige als Deutschlandpremiere, wie The Extraordinary Ordinary Life of José Gonzalez (ein intimer Film über den schwedischen Indie-Star José Gonzalez), Soul Train – The Hippest Trip in America (eine Doku über die mythische amerikanische Black-Music-TVShow) (Foto) und Upside Down – The Story of Creation Records (die Geschichte des Labels, das der Welt Primal Scream, My Bloody Valentine und Oasis bescherte). Marc Llop und Stefanie Dörper, die beiden Organisatoren des Festivals, sind überzeugt: »Diese Musikfilme erzählen nicht nur wahre Geschichten. Sie lassen die Zuschauer auch an bedeutsamen Momenten hinter den Kulissen teilhaben.«

The Hundred In The Hands haben sich erst 2009 kennengelernt und laut Bandbeschreibung irgendwann festgestellt hatten, dass sie eine Leidenschaft für frühen HipHop, French House und Disco, Ska und Dub, Post Punk und britischen Mod und Girl Pop von den Sechzigern bis Achtzigern teilten. Das mag sehr beliebig klingen, muss aber nicht stören, da sich die Band – vielleicht durch diese breit gefächterten Einflüsse- auf jedem Song aufs neue erfrischend anhört. Die Post- Punk Gitarren sorgen für die nötige Blutzufuhr ins Bein, der Girl Pop der Sängerin Eleanore Everdell erleichtert den Zugang und die elektronischen Zusätze, programmiert von Jason Friedman, der zweiten Hälfte des Duos, machen aus dem Ganzen eine schwungvolle, luftige Mischung, die diesem Samstag, den 12. März, sicherlich zu einer beschwingten Nacht machen wird.

Bevor am 29. April das neue, fünfte Album Dancer Equired von Times New Viking erscheint, freuen wir uns euch verkünden zu können, dass die Band kurze Zeit später für drei Termine nach Deutschland kommen wird. Zum ersten Mal in ihrer Bandgeschichte ging das Trio aus Columbus, Ohio USA in ein richtiges Tonstudio, um die Songs für Dancer Equired aufzunehmen. Doch statt die üblichen Wege ihres DIY-Geistes aufzugeben, besinnen sich Jared Phillips, Beth Murphy & Adam Elliot auf ihre Stärken und treiben so den Sound voran ohne dabei auf das times-new-viking’sche Scheppern und Krachen zu verzichten. Den Lo-Fi haben sie gegen ein »higher-fi« eingetauscht und schaffen so den Drahtseilakt zwischen Krachkapelle und Indie-Rock-Kombo.

Alles ist erlaubt. Viele Bands und Kombos schreiben sich dieses Dogma gerne auf die Fahnen, um sich dann doch spätestens nach dem ersten Album den Regeln der Feuilleton und der Musikindustrie zu unterwerfen. Architecture In Helsinki haben nach über einem Jahrzehnt bewiesen, dass es bei ihnen wirklich keine Regeln und Grenzen gibt. Von Pop bis Rock findet man auf ihren Alben fast jede Stilrichtung und nahezu jedes Instrument – und sie sind ein Garant für gute Stimmung und Melodien, die einen wie ein Teenager im Zimmer herumspringen lassen. Das symphatische Kollektiv, gern mit Bands wie Arcade Fire, Broken Social Scene oder den dänischen Broken Beats verglichen, hat mit Fingers Crossed, In Case We Die und dem von Dave Sitek produzierten Places Like This eine treue, weltweite Anhängerschar. Bis auf die The Bleep EP von 2009 wartet exakt diese Fanschar nun sehnlichst auf ein neues Lebenszeichen der Band in Sachen Tonträger – vielleicht ist diese Tournee ja ein gutes Omen dafür?

The Go! Team sind die ungewöhnliche Zusammensetzung aus drei dürren Herren– Ian Parton, Sam Dook, and Jamie Bell– und drei Damen – Chi Fukami Taylor, Silk Stiedinger (inzwischen durch Kaori Tsuchida ersetzt) und Ninja. In dieser Formation entsteht die Band 2004, nachdem Frontman Ian Parton von Franz Ferdinand gefragt wird, diese auf deren Tour durch Schweden zu unterstützen. Für die bis dahin aufgenommene Musik hatte er das meiste selber eingespielt, diverse Geräusche aufgenommen oder Freunde rekrutiert – für die Tour mit den bekannten Schotten reicht ihm das nicht mehr und er stellt eine Band zusammen, deren Mitglieder »normalerweise nicht in einer Band zusammenspielen würden«. Es folgt ein Top Zehn Album auf Pitchfork, eine SXSW Headline, eine Nominierung für den Merkury Music Prize und die allgemeine Erkenntnis, dass The Go! Team Live Shows vor Energie nur so platzen. Am 17. März kann man sich im Lido, Berlin von den Live Qualitäten der Band überzeugen.

Domino hat eine neue Band gesigned: Smith Westerns aus Chicago, die so großartig sind, dass sie gleich ein neues Sublabel Weird World für sie aus
der Taufe gehoben haben und ihr neues Album Dye It Blonde der erste Release darauf sein wird. Waren die Aufnahmen des im heimischen Kellerstudio eingespielten Debüt Albums Smith Westerns noch ungeschliffene Rohdiamanten die sich unbekümmert dem Garage-Glam hingaben und Hooklines im Stil von Bowie und Bolan mit dem schmuddeligen Garage Rock der 60er verbanden, baut Dye It Blonde jetzt stärker auf den Möglichkeiten einer professionellen Musikproduktion auf. Die Brüder Cullen und Cameron Omori (Vocals/ Gitarre und Bass) und Max Kakacek (Gitarre) holten sich für die Produktion Unterstützung von Chris Coady, der auch schon Alben von Beach House, den Yeah Yeah Yeahs und TV On The Radio produziert hat. Am 12.4 kommen die drei nach Berlin in den Club Levee um ihr neues Material zum Besten zu geben.

Die Math-Rocker Battles geben sich für vier Termine in Deutschland die Ehre. Mit im Gepäck haben sie nicht nur ihr brandneues, faszinierendes und hypnotisches Album Album Gloss Drop , sondern auch einen bislang geheimen Special Guest. Von poppigeren Songs bis zu totalen Rocksongs bringen die drei Musiker für jeden von euch etwas mit, Parameter gibt es jedenfalls keine. Mittelmäßigkeit, Genre-Konventionen und stilistische Schubladen gehören so mit Sicherheit als letztes zu dem, was man bei einem Battles Konzert erleben wird. Dies ist der göttliche Krach gleichermaßen talentierter Musiker, die an ihre Grenzen gehen – sie führen perfekt synchronisierte Attacken gegen ihre Hörer und sich selber. Ab dem 10.4. kann jeder, der sich für das Gefecht der Avantgarde gewappnet sieht, das New Yorker Trio bestaunen.

Eine der wichtigsten französischen Bands des French Pop ist zurück! Auf dem diesjährigen Berlin Festival auf dem Gelände des ehemaligen Flughafen Tempelhof, konnte man bereits einen sehr guten Eindruck von ihrem kommenden, mittlerweile 5ten Album bekommen. Tahiti 80 sind sich auf ihrem neuen Album The Past, The Present & The Possible absolut treu geblieben und berühren einen auch nach 15 Jahren immer noch mit wundervollen Songs, die unter die Haut gehen. Und dabei verfolgt die neue Platte den wohl radikalsten Ansatz der Band-Geschichte. Verschiedenste Einflüsse haben sich auf : The Past, The Present & The Possible bereitwillig zu einem großen Ganzen zusammengefügt, sodass man nicht umhin kommt, den Longplayer als eine Art »postmodernes Album« zu bezeichnen. Am 6.5. kann man die sechsköpfige Band im Berliner Comet Club sehen.

Es beginnt mit einem einfachen, nagenden Puls, einem spärlichen Piano und Hayden Thorpes opulentem Falsett – wenngleich er noch nie zuvor so getrieben geklungen hat, während er sich durch das skelettartige Arrangement und die unheilverkündenden Weiten von The Lion’s Share fädelt, das sich beinahe zu einem Crescendo aufbaut, bevor es sich auf brillante Weise anders entscheidet und stattdessen seine unheimliche Spannung aufrechterhält, um dann zu verpuffen. It’s a terrible scare , singt er, but that’s why the dark is there: so you don’t have to see what you can’t bear. Für einen kurzen, glückseligen Augenblick schneidet dem Hörer eine winzige, eiskalte Klinge direkt ins Herz. Doch das erwartet man auch von dieser Band, die stets ihren eigenen Weg gegangen ist. Am 17.5. sind sie im Berliner Comet Club, um wiedermal die Erwartungen zu erfüllen, oder gar zu übertreffen.

Markenzeichen: Blonde Wischmob-Perücke. Berufung: Vollblut-Musikerin. Für die Engländerin Emma Louise Niblett war das schon als Siebenjährige klar. Sie lernte Blockflöte und Klavier, verweigerte aber bereits als Neunjährige den Unterricht, weil sie nicht anderer Leute Lieder lernen und spielen wollte. Nachdem sie den Film »Wer die Nachtigall stört« gesehen hatte, nannte sie sich nach der darin vorkommenden Protagonistin »Scout« . So entstand ihr Künstlername. Mit 19 Jahren zog sie von Staffordshire nach Nottingham, wo sie die Kunstschule besucht und sich mit Film, Performance-Kunst und vor allem Musik beschäftigte. Inzwischen ist Scout vom britischen Label Too Pure zur US-Firma Drag City gewechselt und über ihre aktuelle, 2010 erschienene Platte, urteilte der Rolling Stone: » The Calcination Of Scout Niblett hält jederzeit die Spannung aufrecht: zwischen Selbstgespräch und Dialog mit dem Hörer, zwischen zurückhaltender Innerlichkeit und eruptiven Ausbruchsversuchen, zwischen sprödem Blues und mitreißenden Grunge-Anklängen«. Live kommt Scout in »White Stripes«-Manier – d.h. sie mit Gitarre und Stimme und Dan Wilson am Schlagzeug.

13&God wurden 2004 unter abenteuerlichen Umständen durch Mitglieder der Bands Themselves und The Notwist gegründet. Der Legende nach erblickte das Projekt auf einem Highway nahe der kanadischen Grenze das Licht der Welt. Die transkontinentale Supergroup verbindet Neugierde, Offenheit und Können. The Notwists Sound ist unverkennbar – die Blaupause für experimentellen Indie-Pop. Gleiches gilt auf anderem Gebiet, dem des HipHop, für die auf Anticon beheimateten Themselves. Mit Own Your Ghost lassen sich 13&God auf einem See von Möglichkeiten treiben, ohne unterzugehen oder Schiffbruch zu erleiden. Die von Markus Acher, Sänger bei The Notwist, vorgetragenen Stücke sind ein Tonikum für all diejenigen, die Mitgefühl und Vergeben in der Popmusik suchen. Wenn dann einer der Rapper von Themselves das Mikrofon ergreift, haben wir es nicht mehr mit Pop, sondern HipHop zu tun, der jedoch mit Hang zu einer Popmusik besitzt, wie man sie im gegenwärtigen Mainstream nicht hören kann. Im Mai ist die Kombo für vier Dates in Deutschland unterwegs um ihr lange gereiftes Debütalbum Own Your Ghost vorzustellen.

Final Fantasy hat seinen Künstlernamen abgelegt: Nun steht wieder Owen Pallett, der 32-jährige Kanadier auf der Bühne. Meist alleine mit Geige, Effektgeräten und einer Loopmaschine. Mit diesem Maschinenpark erzeugt Pallett auch auf seiner aktuellen Platte (unterstützt von einem Orchester) den ihm so eigenen Sound: Heartland ist eine schwärmende, leicht klebrige, aber immer auch zerbrechliche Landschaft, in der die Gottheit Owen im letzten Song von seinem Geschöpf Lewis mit einem Doppelstich in die Augen erledigt wird. Bei Pallett kommt man nicht herum, ein paar Bands zu nennen – nicht als Referenz, vielmehr als Homebase, respektive Flughafen: Er war immer zur Stelle, wenn es darum ging, für Entdeckungen der Nullerjahre Streicherarrangements zu schreiben: Er arbeitete für das Queerpop-Kollektiv The Hidden Cameras, dessen sexualpolitisch aktiver Mastermind und Bandpiesacker Joel Gibb ihn nachhaltig beeinflusst hat. Pallett stand mit den quirligen und allseits bejubelten Arcade Fire auf der Bühne und strich 2009 auf dem Album Yes der Discoaltmeister Pet Shop Boys mit. Der Ausnahmemusiker Pallett wird vom Wiener Ausnahmemusiker Peter Brunner aka Cardiochaos unterstützt: teils verschleppte, teils hymnische, aber immer melancholische Popsongs.

Das Spielzeitabschlusskonzert steht im Zeichen aktueller Spielarten des Underground-Pop. In verschiedenen Medien wurden 2011 mit Witchhouse und Nightmare Pop neue Begrifflichkeiten geschaffen, um die Renaissance von düsteren Motiven in der Popmusik abseits des Dark Wave-Klischees zu beschreiben. Esben and the Witch aus Brighton wurden unfreiwillig zum Träger dieses neuen Trends erklärt. Tu Fawning aus Portland, Oregon wurden gerade von der für ihre Geschmacksicherheit bekannten Berliner Plattenfirma City Slang unter Vertrag genommen. »Klavier und Orgeln, verhuschte Perkussion und ätherische Stimmen weben ein finsteres Gespinst« schreibt die Zeit. Trotz aller Melancholie entsteht nie Gemütlichkeit. Kaum glaubt man einen Faden zu fassen, beginnt er sich bereits wieder aufzulösen, um im Nichts zu verschwinden. Mit Deerhoof steht an diesem Abend eine aus San Francisco stammende Band auf der Bühne, die schon länger zu den Protagonisten des Art Rock gehören. Umrahmt wird die spannende Mischung mit einer Karrera Klub DJ-Lounge im Parkettcafé, die zwischen den Auftritten das aktuelle Musikgeschehen auf ihren Plattentellern Revue passieren lässt.

Bereits im Jahr 2006 waren die Musiker um Sänger und Gitarrist Ben Gibbard in der Kategorie “Best Alternative Album” für den Grammy nominiert. Am 31.05. ist bei Barsuk ihr siebtes Studioalbum Codes And Keys erschienen und es ist überraschenderweise keine gitarrenbasierte Platte: Die Indie-Rocker aus Bellingham, Washington, haben sich in letzter Zeit sehr mit alten Keyboards angefreundet und eine Menge damit ausprobiert. So liegt der Fokus der neuen Platte vor allem auf Keyboard und Gesang. »Wir werden keine Gitarren dazunehmen, nur weil die Leute dies erwarten«, sagt Sänger und Gitarrist Ben Gibbard. Mit dem neuen Album wenden sich die Indie-Rocker klanglich von ihrem letzten Album Narrow Stairs aus dem Jahr 2008 ab. Ende Juni werden Death Cab for Cutie ihr neues Werk live bei drei Konzerten in Hamburg, München und Berlin präsentieren.

Am 3. Juni 2011 veröffentlichte Souterrain Transmissions das Debüt Past Life Martyred Saints von Erika M. Anderson alias EMA. In South Dakota geboren, zog EMA im Alter von 18 Jahren nach LA. Dort begann sie zunächst als Gitarristin in einer Folk/Noise Combo namens Amps For Christ, um dann 2005 zusammen mit Ezra Buchla das Kult-Duo Gowns zu gründen, deren 2007er Album Red State, das von der New York Times als »intense, but surprisingly pretty« betitelt wurde, bereits diese eklektische Gradwanderung vorexerzierte. Doch nun wandelt EMA auf Solopfaden. Auf Past Life Martyred Saints webt Anderson hypotisierende Erzählungen über Musik, die ebenso turbulent und eindringlich wie ihre Texte ist. Das Album lässt sich nicht mit einem Genre etikettieren, da EMA auf der Platte abgesehen von einer durchgehend dunklen, melancholischen 4AD-Aura zwischen Indie-Folk und Industrial springt und ihre Vocals von Spoken Word bis zu unkontrolliertem Schreien reichen. Im September geht die Autodidaktin und selbst aufnehmende Musikerin auf Deutschlandtour.

Skandinavien ist derzeit das wohl verlässlichste Mekka für gutgemachte und spannende Popmusik. Das Geheimnis für den Erfolg von Bands aus dem hohen Norden liegt dabei in der ausgesprochen hohen Anzahl und Qualität an Künstlern, dem genauen Gespür für Trends, und eben das gewisse Etwas, das Nordische… Um dem Berliner Publikum dieses Riesenspektrum an skandinavischer Musik und Popkultur erfahrbar zu machen, haben sich nun der Karrera Klub und die Mädels von Nordic by Nature zusammengetan. Diesmal erfreut uns der Norden mit den Figurines aus Dänemark. Im Grunde schon alte Hasen im Geschäft, haben das Trio nach einer kurzen Pause nun ihren vierten, selbstbetitelten Longplayer Figurines raus gebracht. Dieser klingt nun gereifter und erfahrener und beglückt uns mit wechselndem Beat und verspielter Instrumentierung sowie herrlich einladenden Chören. Island hat noch mehr zu bieten außer einem speienden Vulkan. Neben Sigur Rós und Retro Stefson strandet nun auch Agent Fresco auf dem (musikalischem) Festland. Mit ihren rockigen Songs, die ein bisschen Jazz und Funk Einfluss mit sich bringen, haben die vier Isländer schon diverse Preise in ihrer Heimat eingeheimst.

Die Auftritte von Cloud Control sind ganz so, als hätten sie alle Wärme des Heimatkontinents Australien in sich aufgesogen, gespeichert und zu uns gebracht. Das ist live einfach noch deutlicher zu spüren als auf der Debütplatte Bliss Release die im Mai endlich auch bei uns auf den Markt kam. Prompt gingen die Aussies mit Vampire Weekend und The Temper Trap, Arcade Fire und Supergrass auf Tour, die sich alle vom Charme, dem Humor und der offenen Freundlichkeit des Sounds überzeugen ließen. Ganz dem ein wenig aus der Spur laufenden Harmoniegesang verpflichtet, damit es nicht gar zu süßlich wird, legen CC ein nicht zu geringes Maß von Psychedelik in ihre Songs und ergänzen die akustisch flirrenden Gitarren hier und da durch ekstatisches Händeklatschen. Zitiert wird, worauf die Musiker Lust haben, von den Mamas und Papas über die Beach Boys bis hin zu Fleet Foxes oder Local Natives. Diese Mischung ergibt einen prächtigen, ja, was denn nun? Pop? Folk? Das ist alles gar nicht wichtig, wenn Heidi und Ulrich Lenffer zusammen mit Alister Wright und Jeremy Kelshaw auf die Bühne steigen. Dann ist nur noch Klang und Schönheit und Musik.

Nordic by Nature ist ein skandinavisches Musikprojekt aus Berlin und seit einem Jahr dabei, die Berliner Clubszene auf den Kopf zu stellen. Mit der Aufgabe neue und interessante Musik aus dem europäischen Norden in die Hauptstadt zu bringen, veranstalten die beiden Nordic by Nature Mädels, Nina Legnehed und Steffi von Kannemann, regelmäßige Parties und Konzerte in Berlin, legen als DJs auf und haben ihre monatliche Radioshow auf BLN.FM. Jetzt tragen sie die skandinavischen Klänge ins Land hinaus. Scandinavian Disco sounds like: Lykke Li, Shout Out Louds, FM Belfast, Robyn, Radio Dept., Studio, Röyksopp, Kakkmaddafakka, The Knife, Lindstrøm & Christabelle, Villa Nah, Trentemøller, Miike Snow, Zebra and Snake, Efterklang, ceo, The Embassy, Bloodgroup, The Raveonettes, Casiokids, Kleerup, Andreas Tilliander, K-X-P, Mando Diao, Lo-Fi-Fnk, Familjen, LCMDF, Vinnie Who, Kasper Bjørke, The Fashion, Oskar Linnros, jj, Fever Ray, Harrys Gym, Those Dancing Days, The Amplifetes, Retro Stefson, 120 days, When Saints Go Machine

Bereits 2008 begann das Künstlerkollektiv Wu Lyf durch die Straßen von Manchester zu geistern, kryptische Botschaften an Häuserwänden zu hinterlassen, ohne dabei ihre Identität preiszugeben. Auf Interviews wartete die Presse vergeblich, denn laut Band musste die handfeste Message von Wu Lyf noch reifen, um kommuniziert zu werden. Beitreten konnte man dem Clan von Wu Lyf trotzdem schon. Und zwar indem man die erste EP der Band erstand. Den Mitgliedsausweis bekam man gratis oben drauf. Das Debütalbum Go Tell Fire To The Mountain steht seit Mitte Juni in den Plattenläden. Unterlegt von halligem Gitarren-Feedback mischen sich rebellische Slogans an die Jugend: die Verbreitung des Peter-Pan-Syndroms im Dark-Wave-Format mit reichlich Potential zur Weltherrschaft. Im Oktober präsentiert sich die skurrile Gruppe auf mehreren Konzerten bei ihrer Deutschlandtour.

Der Opener der am Freitag erscheinenden neuen Platte Portamento heißt Book Of Revelation. Das biblische Buch der Offenbarung also ist es, das The Drums an den Anfang ihres zweiten Albums setzen. Das ist kein Zufall, keine andere Band springt in ihren Texten so schnell von der Unbeschwertheit des Surfens in die nihilistischen Tiefen des Todes: «I’ve seen the world, and there’s no heaven and there’s no hell. And I believe, that when we die, we die.» Das Ganze kommt aber Drums-typisch mit einer melancholischen Leichtigkeit daher, die es einfach macht, der Hype-Band des vergangenen Jahres auch in diesem dunklen dräuenden Herbst die ewige Treue zu schwören. Noch immer spannt das musikalische Spektrum über drei Welten: Die musikalische Sozialisation ihrer Wahlheimat New York, die Beachness ihres Ursprungs Florida und Direktheit in Art und Songwriting die direkt aus London und Manchester stammt. Eben die †žBeach Boy Division†œ, zu der sich The Drums immer bekannt haben, zur Mischung zwischen Lebensfeier und Abgrund. Die Trennung von Gitarrist Adam Kessler hat die Band gut verkraftet, die verstärkte Ausrichtung auf Synthies mag eine Folge davon sein. Auch auf Portamento – die Gesangstechnik, die Sänger Jonathan Pierce anwendet, um in hohe Stimmlagen zu kommen – hört man süße Melodien, charmante und abgründige Texte, spröde Synthesizer und drahtige Gitarren. Die «Music for a new decade», wie der NME die Band charakterisierte, wird weitergespielt – im Herbst auch wieder live in unseren Clubs.

EMA präsentiert ihr wunderbares Debüt Past Life Martyred Saints. Aus San Francisco, der Wahlheimat von Erika M. Anderson (kurz: EMA), ist man im Grunde eher die Sorte Psychedelic, Weird Folk und glatter Californian Surf gewohnt. Was die aus South Dakota stammende Singer-Songwriterin mit ihrem Debüt jedoch abgeliefert hat, erinnert eher an so manche, auf drei Akkorde reduzierte, Auswüchse aus dem Seattle der 90er, gemischt mit Kernelementen aus Goth und Dark Wave. Stimme und Gitarre, das ist es, worauf es EMA bei The Grey Ship zum Beispiel ankommt. Mit minimalistischem Instrumentierung und mystischen Lyrics versucht sie, die Essenz des Songs einzufangen, nur um einem nach der Hälfte des Songs mit voluminösen Feedback-Wänden das Trommelfell zu strapazieren. Unberechenbar ist sie, wie sie so mir nichts dir nichts zwischen den Genres und Referenzen springt. Unberechenbar einzigartig und unberechenbar gut. Sometimes taking it outside works best. Ganglians, a beardo four-piece from Sacramento, do just that. Their brand of psychedelia is the latest offering from Woodsist, a Brooklyn label putting out records by what could be considered lo-fi’s new guard: Kurt Vile, Wavves, Woods, Crystal Stilts, Vivian Girls, and Blank Dogs, to name a few. (Many of which have enjoyed a considerable amount of ink in this corner of the musicnerdiverse.) Though each of these acts roughs up music a little differently, all sound at home in the bedroom or basement. But Ganglians are wild men— they make music that gets fresh air all up in your teeth and gums putting their own spin on the Beach Boys or the psych-folk-pop-argh of Grizzly Bear. But while Grizzly Bear manicure and cloister their psych folk in the parlor, Ganglians slather and cake them in mud. Then they set them free.

Die Black Lips sind eine dieser Bands, die so unbeirrt durch ihren Rock’n’Roll-Traum toben, dass man beinahe an ihrer Glaubwürdigkeit zweifeln möchte. Klingt ja auch zu schön: Während der Indien-Tour zieht Gitarrist Cole Alexander auf der Bühne blank, erregt durch weitere eindeutige Aktionen massiv öffentliches Ärgernis, woraufhin das US-Quartett durch den Backstagebereich sowohl Venue als auch Indien fluchtartig verlässt und in Berlin Unterschlupf findet. Würde man gerne als Zeitraffer-Aufnahme sehen. Und passt auch wunderbar zur letzten Platte, die in den 15 Nostalgiekatalysatoren klingt, als könne die Zeit seit den frühen Stones, den Stooges und Velvet Underground auf einen gierigen Bierzug gekürzt werden. Das Schlagzeug scheppert, der kehlige Gesang leiert, die Fuzz-Gitarren jaulen, und in der Garage ist die Hölle los.

Mit der Veröffentlichung des Fruit Bats Debüts Echolocation trat Eric D. Johnson vor 10 Jahre eine Musikkarriere los, die neben seines Schaffens als Frontmann der Fruit Bats, auch jahrelange Gastspiele bei Califone, Vetiver, The Shins und seit kurzer Zeit auch die Arbeit an Soundtracks für Filme umfasst. Tripper, das neue und fünfte Fruit Bats Album, wurde mit Thoma Monahan, den man als Produzent von Vetiver, Devandra Banhart und den Pernice Brothers kennt, im Wacs Studio in Los Angeles aufgenommen. So wurde mit einem abstrakteren und weniger folklastigen Sound experimentiert. Johnson wandte sich vom leichten, gitarrenlastigen Klang ab und begann vermehrt Synthesizer und Keyboards einzusetzen. Das Radikale an Tripper ist jedoch nicht die eindringliche Produktion, sondern die Art und Weise, wie die erzählten Geschichten zu Songs werden. Gute Songs zu schreiben bedeutet für Eric D. Johnson nämlich nicht, dass es besonders kompliziert und lyrisch sein muss, um einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen, auch wenn dies einen größeren Wiedererkennungswert erzeugt. Johnson bevorzugt Songwriter wie Ray Davies, Paul Simon und Tom Petty, deren stimmliche Leistungen aufgrund der einprägsamen Melodien manchmal übersehen werden. Johnson schrieb bereits für The Ruminant Band Songs, die auf Geschichten basieren und somit bewusst an diese Erzähltradition anknüpfen, aber erst auf Tripper hat er diese bewusst realisiert. Das Ergebnis wird dominiert von zartbitteren Gedanken über das Touren, das Zurücklassen der Familie und die Neu(er)findung des Selbst, ist in sich eine Neuerfindung. Grant Olsens Songwriting hat sich seit seiner früheren Band Arthur & Yu fortlaufend weiterentwickelt und findet seinen Höhepunkt in seinem neuen Soloprojekt Gold Leaves. Die Schönheit der A&Y Songs manifestierte sich in einem Gefühl von sanfter Geborgenheit, während er in seinem neuen Projekt auf komplexe Art und Weise Doo-Wop, R&B und Modern Folk miteinander verschmelzen lässt. Die Verbindung dabei ist Olsens Stimme, die eher an weite Waldflächen als an geschliffenen Pop erinnert. So entsteht ein wunderbarer Gegensatz zwischen den fortwährenden Klängen seiner Akkustikgitarre und des Schlagzeugs und dem fast an Country Musik erinnernden Klang seiner Stimme. Olsen erweckt so die Neugier in den Hörern seiner Musik und zwar nicht nur im Bezug auf seine Songtexte, sondern auch im Blick auf die folgenden Alben.

Darkstar zeigten im Jahre 2010 mit ihrem Debütalbum North (Hyperdub) als erstes Produzententeam, dass das Subgenre Dubstep der Mainstream-Popmusik aufregende neue Klangfarben und Rhythmen liefern kann. Die Integration des Sängers James Buttery sorgte in der Szene für einiges Kopfschütteln, Sängern wie James Blake oder Jamie Woon ebnete das Trio aus Manchester damit aber den Weg in die Popwelt. Mit ihrem Auftritt im Berghain verabschieden sich Darkstar nun von deutschen Konzertbühnen und machen sich an die Produktion des zweiten Albums, das im nächsten Jahr auf Warp erscheinen wird. Wild Beasts sind schon einen Schritt weiter: Ihr drittes Album, bei Domino veröffentlicht, zeigt erneut, dass das Quartett in einer eigenen Liga spielt. Keine andere englische Band vermag es, solch kunstvolle, schöne, feine und gleichzeitig opulente Gitarrenpopsongs zu schreiben, und niemand singt im Falsett wohl weicher, zarter und anrührender als Hayden Thorpe. Den Abend eröffnen die aus Paris stammende Butterclock und ihr Landsmann o F F, die beide zuletzt in der Kantine am Berghain einen fantastischen Kurzauftritt im Vorprogramm von How To Dress Well absolvierten: schwerer, düsterer, auf verlangsamten Hiphop-Beats basierender, hypnotischer Pop – ein wahrer Geheimtipp, der die große Bühne im Berghain mehr als verdient.

Im Musikgeschäft tummeln sich Friends erst seit kurzem. Doch obwohl das Debütalbum der Band aus Brooklyn erst für das Frühjahr 2012 angesetzt ist, überzeugte das Quintett bereits auf dem New Yorker Festival CMJ die Kritikerreihen. Auch in Europa zeigte man sich hellauf begeistert. So beschrieb der britische Independent den Sound als »a slick slice of indie pop with a great stuttering beat, an addictive bassline and confident vocals«. Nach der Debüt-Single Friend Crush erschien nun am 31. Oktober der Nachfolger I’m His Girl via Lucky Numbers. Für die 2012 angesetzte Tour ist von den fünf Freunden Samantha »I’m on my way« Urbani, Lesley »I’ll be in the greenroom« Hann, Oliver »Are there more drink tickets« Duncan, Nikki »No rules« Shapiro und Matthew »I gotta go« Molnar einiges zu erwarten.

Mit einer bestechenden Genauigkeit bringen WhoMadeWho ihr Rhythmusfundament auf den Punkt und den Fuß zum Wippen. Und das bereits seit fast einer Dekade. Nach mehreren 12inch-Releases auf Gomma veröffentlichte das dänische Trio um Tomas Barford, Tomas Hoffding und Jeppe Kjellberg ihr heiß ersehntes, selbstbetiteltes Debütalbum 2005. Darauf verschnörkelten die Boys gekonnt einen geradlinigen Pop-Sound mit zweistimmigem Falsettgesang und Elementen aus Italodisco, Psychedelic und Surfrock. Liveshows neben Acts wie Daft Punk, Soulwax, Hot Chip und Justice waren die Folge. Mit Erscheinen des aktuellen Mini-Albums Knee Deep im Frühjahr 2011 bewiesen die Kopenhagener Jungs erneut, dass sie mit ihrem Latein noch lange nicht am Ende sind. Ihr Sound ist ausgefeilter denn je und die Live-Shows eine Entertainment-Klasse für sich. Und der nächste Langspieler lässt auch nicht lange auf sich warten, an dem gerade kräftig gemastert wird.

Brooklyn-based Buke (byook) Gase (gace) are Arone Dyer on the buke (a self-modified six-string former baritone ukulele) and Aron Sanchez on the gase (a guitar-bass hybrid of his own creation). Both of them play double duty, also mobilizing a small army of foot percussion. These instruments are then filtered through various pedals, amplifiers and homemade inventions to create a surprisingly complex sound. Dyer s supermelodic vocal lines weave through the beautiful yet unwieldy musical matter, balancing light and dark, calamity and control. Their musical multi-tasking makes for live shows that are visually unexpected and sonically explosive. In 2009, Brassland co-founders Aaron Bryce Dessner of The National (well, technically, their sister) discovered Buke And Gase when they played Sycamore, the basement venue down the street from The National s home studio in Ditmas Park, Brooklyn. They were blown away by how much noise and rhythm was emerging from this two-piece band. Officially forming in 2008, Buke And Gase self-released their debut EP /- in late 2009. (It s now available digitally via BandCamp and as a hand-stamped limited edition CD.) Since then they ve received a stready stream of attention. They were on NPR s nationally syndicated Radiolab (featured on two podcasts), New York scene rag The Deli Magazine named the group »local band of the month« and put them on their cover, and Stereogum covered them in a Quit Your Day Job piece about their interesting careers. 2010 kicked off with hibernating in Sanchez’s basement recording studio, Polyphonic Workshop, where they self-produced a full-length record for release on Brassland. Annabel is from New Zealand but currently based on the east coast of the USA. She cut her teeth in cult bands such as Christchurch’s psychedelic surf outfit Hawaii Five-O, Space Dust and the Hiss Explosion, then went on to complete post-graduate studies in computer-based composition at the Universities of Canterbury and Auckland in New Zealand. After her studies, Annabel returned to what she loved best – making psychedelic pop music – and Bachelorette appeared on the scene in 2005. Her breathtaking live set developed around a band of 3 old CRT monitors, which were borrowed from acquaintances or picked up from recycling stations and thrift stores in each town. On stage, the CRT band simultaneously displayed waveform patterns and other synchronised visuals corresponding to separate recorded instruments, as Annabel sang and played along with them. Though Bachelorette’s third full-length record was written on Earth – Oxford, UK Tripoli, Libya Millwood, VA – it is more at home gliding through surreal galaxies and swimming through a matrix of coolly illuminated neural networks. But these journeys are the same – both echo with an aching solitude, the conditions that Annabel Alpers needs to dream up her minimalist electro psych pop. And even when local sound waves enter her work – as cathedral chimes did in Oxford — they return in swathed in a lunar halo. The album is epic from the beginning. Hovering over a fluttering blanket of voices, a ghostly vision of the future is distilled with the same seductive inevitability of a Greek oracle. Our destiny set, Bachelorette gestures toward an alien solar system. Here, some planets shimmer, shrouded in an emerald light, another finds a civilization forever in the trance of a gorgeous mechanical heartbreak. Still other planets are pummeled by asteroids of distorted sounds and dissonant, unmusical space trash. Mixed by Nicholas Vernhes at Rare Book Room (Animal Collective, Beach House) in Brooklyn, these twelve tracks are built on minimal synth grooves, strummed guitar, innocent whistles wondering through cold hallways, and occasional accompaniment on drums. But all are guided by Bachelorette’s ethereal lead vocal. This album’s greatest triumph is that its abundant pop melodies displace any heroic presumption associated with such an ambitious journey. Whether wandering through your labyrinthine, echoing consciousness or embarking on an interstellar marathon, you’ll want to sing along.

Kid Congo Powers is a second generation Mexican American. In 1976, he was president of The Ramones fan club. After traveling to London and New York City he returned to L.A. and in 1979 met Jeffrey Lee Pierce. Pierce taught him to play guitar using open tuning, and they formed The Creeping Ritual, which became The Gun Club. Powers left that group before their recording debut, instead joining New York-based band The Cramps in December 1980. He rejoined the Gun Club briefly in 1983, rejoining again between 1985 and 1988, when he again left to join Nick Cave and The Bad Seeds in Berlin, for several albums and associated tours. Powers has also played with The Divine Horsemen, The Angel Of Light, Die Haut and The Fall. Most recently, Powers has collaborated with New York City guitarist Jack Martin on projects like The Pink Monkey Birds, Congo Norvell and Knoxville Girl. For Gorilla Rose (In The Red Rec/ 2011) Kid Congo and The Pink Monkey Birds grabbed producer Jason Ward and hightailed it back to the magik gymnasium at The Harveyville Project, a high school in Kansas and also the scene of the crime of their much acclaimed 2009 release Dracula Boots. Kiki »El Coyote« Solis on bass and Ron »The Cap’n« Miller on drums along with, new Pink Monkey Bird, Jesse »The Candyman« Roberts (from Seattle’s The Ruby Doe) on guitar, keys and vocals firms up Kid Congo’s squawking flock. Brandishing 13 all original glam-tastic compositions, Gorilla Rose blasts off with the explosive dance anthem Bo Bo Boogaloo wearing their 60’s Chicano Rock influence on their sleeves. Shake it don’t break it! That’s just the start of a wild ride thru funky but chic decadence ( Goldin Browne ) slip sliding rockabilly ( Hills Of Pills ), Teenage punkdom ( Our Other World ) mystic Kraut rock (__ Bubble Trouble__ ) , baby-making sleaze ( Catsuit Fruit ), the best bad Peyote trip you ever took ( Injun War Crimes ) and even a velvety call from the beyond ( Lullaby in Paradise ). Finding inspiration in the past is what Kid Congo and The Pink Monkey Birds do best. On this 2011 sonic trip, Kid brings his past into the present and names it after someone flamboyant and inspired- Gorilla Rose.

Der amerikanische Gitarrist, Sänger und Produzent Arto Lindsay war Mitglied der legendären, frühen Lounge Lizards mit John Lurie, und prägte mit seinem autodidaktischen, noisigen Gitarrenspiel das Genre des No Wave Anfang der 80er Jahre in New York. Geboren in den Vereinigten Staaten und aufgewachsen in Brasilien wurde Lindsay mit der Tropicàlia-Bewegung der sechziger Jahre groß. In den 90ern wandte er sich verstärkt dem Crossover zwischen Rock, Pop und Jazz zu, bis er vor einigen Jahren seine musikalische Heimat in einer Fusion aus brasilianischer Folklore mit zartem Songwriting fand. Im HBC wird Arto Lindsay ein sehr kurzfristiges angesetztes Solo-Konzert im Rahmen der VUP-Lounge – kuratiert von Max Dax – geben.

• Lineup
• Arto Lindsay (live)
• VUP-Lounge
• Arto Lindsay (DJ Set)
• Max Dax (DJ Set)

Jamie Woon beschrieb ihn im Observer kürzlich als »a really fantastic … singer-songwriter«. Am Donnerstag, den 24. November ist er gemeinsam mit Bonobo im Gretchen in Berlin. Die Rede ist von Jono McCleery, der sein neues Album There Is Anfang September bei Counter Records veröffentlicht hat. Nach seinem in Eigenregie produzierten Debüt-Album Darkest Light von 2008 tourte er mit Musikern wie dem kürzlich verstorbenen Gil Scott Heron oder auch Fink, Little Dragon, Jose Gonzales, Portico Quartet und dem eingangs bereits erwähnten Jamie Woon. Dadurch standen gleich die ersten Labels vor der Tür des ruhigen Engländers, und Ninja Tune machte das Rennen ( Tomorrow ). Auf seinem lang ersehnten Nachfolger There Is überzeugt der in London lebende Künstler mit ausgefeilten Songwriting, einer von simpler Schönheit getragenen Stimme und fantastischen Folk-Soul Songs, die vor Leidenschaft nur so strotzen. Neben Gitarre, Piano und Streicher sind es die Elemente aus aktuellem Post-Dubstep und Elektronik, mit denen McCleerys’ Sound nun dichter an einem Musiker wie James Blake ist, als er es mit seinem selbstproduzierten Debüt noch an Nick Drake war. Als Gäste auf dem Album gibt es Fink, der sich für die Backing Vocals des Songs Stand Proud verantwortlich zeigt, und die legendäre Folk Künstlerin Vashti Bunyan. Das ganze Album ist voller Soul und Raffinesse und stellt nicht nur seine großartige Stimme sondern gleichzeitig auch die brillanten Melodien heraus. Ebenfalls aus dem Ninja Tune Camp kommt mit Bonobo noch einer der Pioniere des Downbeats. Von den Hörern der BBC-Radiosendung Gilles Peterson Worldwide wurde Days To Come zum besten Album des Jahres 2006 gewählt. Auch mit seinem wohl bis dato zeitgemäßesten Album Black Sands bewies Bonobo, dass seine Fähigkeiten als Künstler weit über die Subgenres von Dance Music hinausgehen und er alle Tricks und Kniffe des digitalen Zeitalters drauf hat. Kaum jemand beherrscht das Fach der Cut-Up-Beats so wie Bonobo, seine Musik ist von gefühlvoller Wärme durchflutet und die leichten Beats entführen den Hörer in die musikalische Manege, in der auch Portishead oder das Cinematic Orchestra anzutreffen wären. Seine DJ-Sets tragen viel Funk & Jazz in sich und bewahren immer Klasse. So wird er an der Seite unseres Residents Delfonic auch heute wieder seine Zuhörer verzaubern.

• Lineup
• Jono McCleery (live)
• Bonobo (DJ Set)
• Delfonic (DJ Set)

Mitten in Kreuzberg, in den ehemaligen Stallungen des preußischen 1. Garde-Dragoner-Regiments Königin Victoria von Großbritannien und Irland von 1854, präsentiert sich das Gretchen in historischem Charme gepaart mit coolem Clubdesign. Das wunderschöne Kreuzgewölbe, die filigranen Säulen werden ab jetzt von Beats und Bässen beschallt, Lichtinstallationen umspielt und einem musikalisch interessierten Publikum freigegeben. Gretchen’s Programm als (Live-)Club spiegelt die Vielschichtigkeit der aktuellen musikalischen Strömungen wider. Von Elektro, Electronica, House, Dubstep über IDM, Glitch, Experimental, Avantgarde bis hin zu Bass, Independent, Folk und Jazz präsentiert sich Gretchen als absolut offen für jedwede Stile. Gretchen ist elektronisch bis unplugged, präsentiert DJ-Sets und Live-Konzerte. Musikalische Qualität von Genre und Künstler sind entscheidend, nicht begrenzte Vorstellungskraft, Borniertheit oder Langeweile. Zur diesjährigen Silvester Sause unter dem Motto »Happy New Möbelrücken« sind geladen: Channel X, Niko Schwind, Andre Crom, der E-Kreisel, Cinthie, Fresh Meat, Toni Haupt & Saxophone, Jan Rudolph, Bone, Pitt, A3000, Leon Licht, Daniel ArchutHüftschwinger u.v.m. Wir wünschen eine schöne Feier und einen guten Start ins neue Jahr.

François Marry und seine Band The Atlas Mountains sind das erste französische Signing auf Domino Records, der Heimat von u.a. Franz Ferdinand, Bonnie »Prince« Billie, den Arctic Monkies oder dem Animal Collective. François verließ 2003 seine Heimat La Rochelle Richtung Vereintes Königreich. In der Bristoler Musikszene schloß er, damals noch als freischaffender Trompeter, schnell Freundschaft mit Bands und Musikern wie The Pastels, King Creosote und den Movietones, allesamt Domino-Acts. Doch war es nicht diese Verbindung zum Label, die ihm jetzt einen eigenen Vertrag bescherte. Vielmehr sind es die elegant, samtig und zerbrechlich wirkenden Songs auf E Volo Love, die ihm die Türen in den Inner Circle öffneten, in dem er sich schon so lange heimisch fühlt. François & The Atlas Mountains spielen glaskaren Indie Pop, der sonnig bis düster changiert und schaffen durch den Einsatz afrikanischer Percussion-Instrumente ein ganz eigenes Genre, das sich nur schwerlich in Schubladen stecken lässt. »Zwischen Francoise Hardy, Sufjan Stevens und Beach House« (Crazewire)

Vor 25 Jahren gründete Evan Dando in Boston The Lemonheads – bis heute ist er allerdings die einzige Konstante in der Band geblieben, man schätzt, dass es im Lauf der Jahre mehr als ein Dutzend verschiedene Drummer und mindestens zehn Bassisten gab. Ihren größten Erfolg feierten The Lemonheads mit ihrem sechsten Album, auf dem sie sich weg vom Punk hin zu einem stärker song-orientierten New-Folk bewegten. Im Jahr 1992 erschien It’s a shame about Ray mit der Hitsingle Mrs. Robinson, die den Lemonheads den Durchbruch in Amerika und Europa, eine zweijährige Phase fast ununterbrochenen Tourens und die anschließende Auflösung der Band bescherte. Erst im Jahr 2006 gelang es Dando, einer der umstrittensten Persönlichkeiten der Musikszene, The Lemonheads zu reaktivieren. Das Erscheinen des herausragendsten Albums der Lemonheads jährt sich im nächsten Jahr zum zwanzigsten Mal. Dieses Jubiläum werden The Lemonheads und ihr Frontmann Evan Dando im Rahmen der »Shame about Ray – Tour« auch mit vier Konzerten in Deutschland feiern. Natürlich werden The Lemonheads nicht nur das komplette It’s a shame about Ray-Album, sondern auch weitere Songs ihrer langen Karriere präsentieren.

Eine der großartigsten Bands im Roster – und nun sogar bei, Überraschung: Domino! Dem aktuellen “in”-Label. The Magnetic Fields besteht seit Anfang der 90er aus dem Songwriter, Multiinstrumentalisten und Produzenten Stephin Merritt, der in New York City lebt und dort seine Musik aufnimmt. Mit der Hilfe von Cello-Spieler Sam Davol, dem Banjo Spieler und zweitem Gitarrist John Woo und Claudia Gonson am Piano und den Percussions nimmt Merritt seit nunmehr 20 Jahren Album nach Album auf. Das neueste heißt “Obscurities” und erscheint im kommenden März. Im darauf folgenden Mai erleben wir leider nur zwei der rar gesäten Konzerte der Kultband, deren Album “69 Love Songs” eines der besten aller Zeiten sein dürfte. Die Zuschauer sollten sich auf einen komplett bestuhlten Konzertsaal gefasst machen.

Hinter I Break Horses verbirgt sich Maria Lindén und ihr musikalischer Partner Fredrik Balck, die die neun Tracks auf Hearts in den letzten zwei Jahren geschrieben und aufgenommen haben. Dabei ergaenzen sich die beiden perfekt. Die klangliche Dichte der Kompositionen gehen im Einklang mit den fast düsteren Texten von Balck, die nur durch den wunderbaren Gesang von Lindén an Wärme gewinnen. Die zwei Schweden gelten als Geheimtipp der Indie-Szene und könnten 2012 ihren großen Durchbruch schaffen. Offensichtlich beeinflusst von Bands wie My Bloody Valentine, Slowdive und Jesus & Mary Chain bringt das neue Album Hearts, dem Namen nach den Puls unserer Zeit auf Tonband und das unaufgeregt und in stilvollem melancholischem Minimalismus. Anfang Februar können sich die deutschen Fans in ausgewählten Städten dann von der Livetauglichkeit der zwei Stockholmer überzeugen lassen.

Die in den USA lebende Engländerin Emma Louise »Scout« Niblett tourt genau zur richtigen Jahreszeit durch Deutschland. Klingt ihre Musik doch stets nach feucht-kalten Herbstagen, die trotz Winter momentan die Regel sind. Roh, live, pur und direkt kommt die Musik, fiebrig, intelligent und auch ein bisschen irre. Man könnte die wenigen Töne ihrer Songs ohne Probleme zählen wie die vereinzelten Blätter, die vor Wintereinbruch noch an den Bäumen hängen. Ihr dekonstruierter Grunge besteht aus punktuierten Saitenanschlägen und abgebremsten Mini-Feedbacks, ab und zu schmettert sie ein eruptives Rock-Riff zwischen ihre scharfkantig vorgetragenen Klagegesänge. Jedes Stück transportiert qua Instrumentierung den Subtext: »Ich bin eine ganz schwierige Künstlerin, mein Fühlen ist supertief, das lässt sich mit dieser Fabrikware des herkömmlichen Fühlens nun wirklich nicht vergleichen.« Ähnlich intensiv gestaltet sie auch ihre emotional-geladenen Live-Auftritte.

Die US-amerikanische Indie-Pop Band Of Montreal aus Athens, Georigia, zählt sich zum renommierten Elephant 6 Kollektiv und vermischt psychedelische Einflüsse mit Electronica, Funk und Afrobeat. Auf einem einst legendären Konzert im Berliner Lido brachte sie kurzerhand ein Pferd auf die Bühne und überzeugten mit bei ihrer eineinhalb stündigen Show, der einem Erweckungsmoment geglichen haben muss. Die mittlerweile abflachende Indie-Pop Welle kann sich aber auf Of Montreal verlassen, oppulent und abwechslungreich und ohne jegliche Form des Understatements spielten sie sich hoch bis zur Vorgruppe von Franz Ferdinand. Ob die Hippie Kommune weiterhin ihren Erfolgweg beschreiten darf, wird ich am 10.2. herausstellen. Dann erscheint ihr mittlerweile elftes Studioalbum Paralytic Stalks über Polyvinyl. Von dem auf ihrem Köln-Gig bestimmt schon einige Songs präsentiert werden sollten.

The Chap sind eine experimentelle Pop-Band aus London, die 2000 von Keith Duncan, Panos Ghikas, Claire Hope, Berit Immig und Johannes von Weizsäcker gegründet wurde. Ihre Musik ist eine Mischung aus Rock, Pop, Elektronik und kleiner Mengen von nahezu jedem anderen Genre. Sie sind bekannt für ihre energischen Live-Shows, die beispielsweise oft mit explodierenden Violinen oder Celli enden. 2003 erschien ihr Debütalbum „The Horse“ bei Lo Recordings. Seitdem haben The Chap mit Ham, Mega Breakfast, _Builder’s Brew Mini-Album, Well Done Europe und dem letztjährigen, bescheiden betitelten We Are The Best fünf weitere Alben veröffentlicht. London’s »experimentelle pop outlaws« durften sich dabei über durchweg positive Resonanzen freuen. Wer noch nicht in den Genuss ihrer Performance-artigen Live Auftritte kam hat im März die Chance dies nachzuholen.

The Whitest Boy Alive kommen 2012 für sieben Konzerte nach Deutschland. Auf der Patience Tour vom 07. bis zum 12. Mai werden sie in Clubs und größeren Konzertsälen der Republik spielen. Die 2003 in Berlin gegründete Band, die aus einem Projekt für elektronische Musik hervorgegangen ist, hat in den letzten zwei Jahren einen deutlichen Popularitätsschub erfahren. Die Gruppe um Erlend Øye, Marcin Öz, Sebastian Maschat und Daniel Nentwig hat sich seit ihrem Debüt-Album Dreams musikalisch konsequent weiter entwickelt. Bereits das Album Rules von 2009 und die Single 1517 bestätigten den großen Schritt Richtung Indie-Rock. Mit ihren englischsprachigen Texten und Independent Rock Songs schafften es The Whitest Boy Alive in Deutschland mit ihrem letzten Longplayer in die Top 40 der LP-Charts. Es bleibt also noch Potential nach oben, auch wenn dies nicht der erklärte Anspruch der Band ist. Ob auf der Tour auch neues Soundmaterial vorgestellt wird, ist derzeit noch ungewissen. Fest stehen hingegen bereits die Konzerttermine, deren Tickets heiß begehrt sind.

Der Opener der bald erscheinenden neuen Platte Portamento heißt Book Of Revelation. Das biblische Buch der Offenbarung also ist es, das The Drums an den Anfang ihres zweiten Albums setzen. Das ist kein Zufall, keine andere Band springt in ihren Texten so schnell von der Unbeschwertheit des Surfens in die nihilistischen Tiefen des Todes: »I’ve seen the world, and there’s no heaven and there’s no hell. And I believe, that when we die, we die«. Das Ganze kommt aber Drums-typisch mit einer melancholischen Leichtigkeit daher, die es einfach macht, der Hype-Band des vergangenen Jahres auch in diesem dunklen dräuenden Herbst die ewige Treue zu schwören. Die Trennung von Gitarrist Adam Kessler hat die Band gut verkraftet, die verstärkte Ausrichtung auf Synthies mag eine Folge davon sein. Auch auf Portamento – die Gesangstechnik, die Sänger Jonathan Pierce anwendet, um in hohe Stimmlagen zu kommen – hört man süße Melodien, charmante und abgründige Texte, spröde Synthesizer und drahtige Gitarren. Für den Gig im Postbahnhof dürfte man einige neue Eindrücke in die LP erwarten.

Ravens & Chimes stammen aus New York. Sie machen Musik für Städte, die niemals schlafen. Songs für lange Nächte und frühe Morgenstunden, hin und hergerissen zwischen lauten Gefühlen und leisen Zuneigungen. Ravens & Chimes werden gerne mit Arcade Fire verglichen, zu ihren Fans zählen u.a. Leonard Cohen und Jeff Mangum. Holiday Life wird jetzt wohl auch Bob Dylan’s Aufmerksamkeit erregen. Für das Debut-Album hat man sein Leben lang Zeit – Ravens & Chimes fanden aber, es wäre der richtige Zeitpunkt, ein zweites Meisterwerk einzuspielen. Auch weil die Besetzung Veränderungen unterworfen war, weil es Zerwürfnisse innerhalb der Band gab. Doch dann ein musikalisches Licht am Horizont – Carousel – ein Song, eigentlich für den Soundtrack zur Twilight Saga: Eclipse gedacht, hauchte der Band neues Leben ein. Die Songs für das neue Album sprudelten danach fast wie von selbst. Das Resultat ist Holiday Life, ein Album, das eine einnehmende musikalische Energie in sich trägt. Der Frontmann der Band, Sohn des New Yorker Künstlers Stephan Lack, saß als kleines Kind auf dem Schoß von Andy Warhol und aß Eis mit Basquiat oder Alan Ginsberg. Songs wie The Parting Glass oder Clarissa Explains It All haben zudem eine literarische Tiefe, wie man sie etwa bei F. Scott Fitzgerald finden kann. Die Textzeilen schimmern wie Edelsteine. Das Album Holiday Life wird getragen von dieser eigenwilligen Art des Songwriting, von Asher Lack’s Stimme, von hymnenhaften Klavierparts und hallendem Schlagzeug. Klassisch und modern zugleich, ein musikalischer Herzschlag – Ravens & Chimes haben ihren persönlichen Höhepunkt erreicht.

Future Islands stammen aus Baltimore und musizierten bislang im Dunstkreis von Dan Deacon. Ihre Live-Shows genießen Kult-Status, in der Blogosphäre gelten sie als eine der besten Bands der Gegenwart. Ihr Stil klingt so, als würden Tom Waits, Spencer Krug, Isaac Brock, Dan Deacon, Robert Smith und David Lewis in der selben Band spielen. Gemäß eigener Aussagen machen sie Post-Wave. Sie kombinieren blubberige EIectro-Sounds mit Singer-Songwriter-Attitüde, Teenie-Lo-Fi mit Country-Folk, Club- mit Kammermusik. Die Songs sind luftig dicht, angenehm sperrig und überraschend vertraut. Es sind Songs und Fragmente zugleich, die einen einfach gestrickten Kern haben und durch die Kombination von an sich nicht stimmigen Elementen zu Perlen werden. Im Oktober 2011 erschien ihre letzte Platte »On The Water« auf Thrill Jockey.

Alle vier Jahre ein Album zu machen reicht den Krings Brüdern. Schließlich hat man auch noch andere Dinge zu tun. Und so kommt nach den beiden ersten Alben Tricolor (2004) und S.O.S – Save Our Souls (2008) nun, quasi Turnus-gemäß, das dritte Album. Nach erfolgreichen Ausflügen in die Filmmusik (Vorstadtkrokodile, Wicki u.a.) und der Zusammenarbeit mit Xavier Naidoo und Nena darf man auf ein außergewöhnliches Album gespannt sein. Und natürlich darauf, wie sich der typische K.Rings Sound weiter entwickelt hat. Im März gehen die K.Rings dann auf Wellness-Kur. Mit im Gepäck haben sie ihr eigenes Heilwasser, den Drink Wilder Hirsch und etliche Packungen mit Rhythmus, Kapseln voll Melodie und Drageees mit positiver Energie. Zu Risiken und Nebenwirkungen fragen sie bitte die Band oder den Klub des Vertrauens. Bis gleich zur Visite!

»Last spring we pulled ourselves off the road and into our New York studio to start writing and recording a second album. Part of why we wanted to make the record on our own was to do things that are often hard to get into in a studio setting when you’re working with people who actually know what they’re doing. Through technical hiccups, and boyfriend/girlfriend shit, happy accidents and the triumph of our delusions, off in our own world we built up this thing together, piece-by-piece. Maybe it’s just our own sentimentality toward it but we feel like you can hear what we went through in there; the good and the bad. The grime and grit of the textures, it’s like all the crap you deal with day to day, in big and small ways, the deep tunnels of dirt and filth that run beneath, taking that trash and turning into something that can transcend itself, rise higher and maybe become beautiful. We feel really emotionally connected to the sounds and words on this album. It properly feels like the world we’ve been in for several months. Now, we can’t wait to let it go, for you to hear it and us to get back on tour. It’s been too long and we’ve really missed you.« – Mit diesen Zeilen kündigen Eleanore Everdell und Jason Friedman, besser bekannt als The Hundred In The Hands, ihr neues Album »Red Night« an. Anlässlich dessen Veröffentlichung im Juni ist das Elektropop-Duo aus New York auf Tour in Europa unterwegs und wird auch in Deutschland Konzerte geben. Im Sommer werden dann noch einige Festival-Auftritte folgen.

Die tanzbaren Hits der drei Wahlberliner von I Heart Sharks sind irgendwo im Spektrum von Bands wie Friendly Fires zu verorten und die Hit-Single »Neuzeit«, in der neben englisch auch mal deutschsprachig mitgesungen werden darf, haben sie schon: »Das ist die neue Geschichte!«. Breton sind hierzulande noch ein Geheimtipp. Die Londoner Band veröffentlichte bereits 2010 ihre erste EP »Counter Balance«. Ihr unlängst auf dem Fat Cat-Label erschienenes und in Sigur Rós’ Tonstudio aufgenommenes Debüt »Other People’s Problems« vertieft diese Breitbeinigkeit. Die Musik der öffentlichkeitsscheuen Gruppierung Islet ist kompromisslos. Auf ihrem Debütalbum »Illuminated People« kompilieren die Waliser zehn Songs, die zwischen dynamischen Core-Kanten, noisigen Gitarren sowie Rhythmen, die von Kraut und Psychedelic inspiriert sind, variieren.