Pat Thomas steht zu jedem Zeitpunkt auf dem Zenith, die Leute begreifen das aber erst jetzt. Vor allem sein Quartett أحمد [Ahmed] sorgt für Aufsehen, was nicht selbstverständlich ist – die Kompositionen von Ahmed Abdul-Malik, die Thomas zusammen mit Joel Grip (Bass), Antonin Gerbal (Drums) und Seymour Wright (Sax) interpretiert, wurden nicht für Thomas' Instrument, das Klavier, geschrieben. Tatsächlich klingt ihre Interpretation des Albums Jazz Sahara deutlich anders als das Original – entropischer, unberechenbarer und letztlich energiegeladener. Das eine Jazz-Album, das dieses Jahr alle hören müssen.

Mit Abyss hat die deutsch-britische Musikerin Anika (Annika Henderson) ein politisches Album geschaffen - eines, das sich keinen Konventionen beugt, sondern aneckt, im besten aller Sinne. Abyss klingt rauer als seine Vorgänger, erinnert an Grunge und Alternative Rock der 90er Jahre. Auch die Themen, die die Künstlerin anspricht, sind rau: Fake News, der zunehmende Rechtsrutsch, diverse gesellschaftliche Missstände. »Grunge hat sich nicht zurückgehalten, es war realer, und das ist, was ich im Moment brauche«, sagte Anika dazu im Interview. Es sei ok, einfach mal mürrisch zu sein. Grund genug dafür gibt’s auf der Welt ja auch - umso besser, dass es Alben wie dieses gibt.

Tether ist ein Jazz-inflektiertes, Soul-getränktes Torch-Song-Folk-Album und fühlt sich dementsprechend aus der Zeit gefallen an, zugleich aber so dringlich und aufregend wie kaum ein anderes in diesen Tagen. Bisweilen lässt Annahstasia Enuke an die ekstatische Insichgekehrtheit von B. Glenn-Copelands frühesten Alben denken, in ihren dramatischsten Momenten aber klingt sie wie eine Anohni, die den Backkatalog von Norah Jones inhaliert hat. Und der letzte Song käme wohl dabei heraus, wenn Bryan Adams Farewell Transmission neu einspielen würde. Doch ist das alles – mit Ausnahme eines labbrigen Spoken-Word-Stücks zwischendurch – komplett makellos, zeitgemäß und innovativ. Auch das Obongjayar-Feature, das erste wirklich sinnige der Musikgeschichte.

Es ist die tollste, die schönste, die wirklich großartigste Platte, die man hören kann, an einem frühen Morgen, spät am Abend, von mir aus auch dazwischen. Sie kommt von Barker, da muss man immer Berghain dazuschreiben, aber eigentlich könnte man auch Leisure System sagen, ein wahnsinniges Label. Aber das klickt dann nicht so gut. Was ja thematisch reinpasst. Stochastic Drift ist keine schreiende Klick-mich-Platte. Sie ist das Herrengedeck für die Zigarrenstunde. Oder auch was ganz anderes. Jedenfalls, so, so gut!

Golliwog ist das musikalische Pendant des Films Reflecting Skin: Ein obskures, unter dem Radar laufendes Meisterwerk, das einen fix und fertig macht. Billy Woods klingt da »betäubt und wirkt betäubend, erscheint ebenso emotionslos wie wutgeladen, wirft dich nach vorn und doch auf den Boden«, erklärt Kollege Brauwers in seinem Porträt des New Yorker Rappers. Eine treffende Beschreibung, die unterstreicht, wie sehr einem die durchweg alptraumhafte Stimmung der LP in Mark und Bein fährt. Für die Sorgen neben Woods´ eindringlicher Delivery auch ein All-Star-Producer-Roster, dem Underground-Ikonen wie El-P, The Alchemist oder Ant angehören. Stark!

Dev Hynes arbeitet auf Essex Honey, seinem sechsten Album als Blood Orange, seine Kindheit als Außenseiter in der englischen Einöde auf, gießt Traumata in schillernde Pop-Momente. In alter Mixtape-Manier früherer Werke passiert auf Essex Honey sehr viel nebeneinander und gleichzeitig: Cello-Motive zu Breakbeats, Prince-Einlagen nach Piano-Balladen, eine kunterbunte Gästeliste und oft beinahe zu viele Ideen pro Song.

Es läuft immer gleich ab. Man spielt jemand Brittany Davis' Black Thunder vor, dieser Jemand schweigt, hört zu, hört langer zu, redet gar nicht mehr und ist dann so: Das ist…oh…das ist…GUT…das ist..was ist das? Und dann die große Verwunderung, den Namen der Interpretin noch nie gehört zu haben, obwohl diese Stimme und der Duktus dieser Musik etwas so Großes, etwas Vollendetes hat. Black Thunder ist in zwei Tagen entstanden, komplett improvisiert – und klingt wie eine minimalistische Nina Simone.

Kleine Übersetzungsübung: Rhythm Immortal bedeutet »unsterblicher Rhythmus«. Und so oft Carrier, der früher als Shifted versatilen Techno produzierte, seine gespenstischen Bass-Music- und Drum’n’Bass-Tracks auch an den Rande des Kollaps führt, sie überleben doch jedes Mal – auch wenn sie sich in steriler, kantiger Umgebung wund scheuern, ihr metallen pochendes Herz unter ihrem spröden Gerippe preisgeben. Dieses Album setzt einen bitter nötigen Kontrapunkt zum noch immer anhaltenden Spaßdiktat in der elektronischen Musik.

Marjaa: The Battle of the Hotels (Versions) ist eine atmosphärische Neuinterpretation von Mayssa Jallads Konzeptalbum aus dem Jahr 2023, das sich mit der »Schlacht der Hotels« im libanesischen Bürgerkrieg (1975/76) auseinandersetzt. Der schwedische Produzent Civilistjävel! überführt das Original behutsam in eine kontemplative Klangwelt – geprägt von Dub- und Ambient-Elementen. Im Gegensatz zur erzählerischen Tiefe und der akustischen Vielfalt des Originals legt Versions den Fokus auf einen Atmosphäre und Hypnose. Im Zentrum steht Jallads außergewöhnliche Stimme: Die arabischen Lyrics werden eindringlich auf verschleierte, fragile Weise in gespenstisch wirkende Echos transformiert. Ein stilles Meisterwerk.

Die Fußspuren, Traces, denen die schwedische Supergroup Cosmic Ear folgt, sind die von Don Cherry. Der Bassklarinettist Christer Bothén hat selbst mit Cherry gespielt, brachte dessen Musik das donso n’goni nahe – eine mit Ziegenfell bespannte, vier- bis sechssaitige Harfenlaute, die in Westafrika traditionell den Jägern vorbehalten ist – und war eine wichtige Bezugsperson während Cherrys Residenz in Schweden. Dessen Spiritual free jazz meets world music-Ansatz wird hier vom 83-Jährigen und seinen Mitstreitern Mats Gustafsson, Goran Kajfeš, Kansan Zetterberg und Juan Romero – allesamt bekannt vom freifließenden Fire! Orchestra – ins 21. Jahrhundert übertragen. Keine nostalgische Note. Schlicht zeitlos.

Demdike Stare befinden sich weiter in ihrer Kollabo-Era. Nach den spröden, naturalistischen Zusammenarbeiten mit Jon Collins, ist To Cut And Shoot ambitionierter, artifizieller. Kristen Pilons Vocal-Beiträge sind zentral und doch auf gute Art zweitrangig – der Subbass macht die Ansagen. Wenn das hier ein Mood Piece sein soll, dann ist die Mood Asbest.

Was würdest du heute tun, wenn du wüsstest, dass es kein Morgen gibt? Mit genau dieser Frage beschäftigt sich das Album Yarın Yoksa – und macht sie zum Ausgangspunkt in einer Zeit, die von Unsicherheit und Weltschmerz geprägt ist. Gleichzeitig klingt das Album eineswegs melancholisch oder verzweifelt, sondern warm und hoffnungsvoll. Als würde uns die Musik mitteilen wollen: Gerade weil morgen ungewiss ist, zählt jeder Moment umso mehr. Yarın Yoksa spannt dabei einen musikalischen Bogen zwischen anatolischer Tradition in Form drei traditioneller Volkslieder und eigenen Kompositionen, die deutlich von 70er-Jahre-Psychedelic und modernem Funk geprägt sind.

Dijon, schon sein Name ist nicht kompatibel mit Suchmaschinen. Der Proberaum-Soul des Sängers und Songwriters aus Baltimore, Maryland knarzt, fuzzt und rauscht dazu auch in einer digitalen Musikwelt, die Quantisierung und Autotune zum Industriestandard erklärt hat. Das macht Baby! zum Antikörper im Algorithmus. Ein Meilenstein für Saturation statt Sterilität (und mit der Arbeit für Justin Bieber die ganz eventuelle Vermutung, dass diese R&B-Generation gerade einen neuen Prince gefunden hat, aber das bleibt unter uns, okay?)

Wieso hat Beside Myself eigentlich nicht mehr Aufmerksamkeit erhalten? DJ Haram fängt hier die Gegenwart ein wie kaum jemand sonst in diesem Jahr. Ihr Debütalbum handelt von Angst, Wut, Trauma, Entfremdung, Überleben. Ja, Überleben – für die meisten ein wichtiges Thema. Instrumente des Nahen Ostens (Darbuka, Tamburin, Violine) treffen auf Club-Beats, Rap, Noise, Punk-Attitüde. Kollaborationen mit Moor Mother, Armand Hammer, Bbymutha und Aquiles Navarro weiten das Klangfeld. Ein kollektiver Raum, der verbindet, ohne zu versöhnen.

Im vorliegenden Fall sieht die richtige Vorbereitung auf den Sturm so aus: Hütte verlassen, mit dem Shirt die Angst abstreifen, den Blick nach vorne richten, nur ein Ziel kennen: das Auge des Dinges, das da am Horizont aufzieht. Lange braucht es auch nicht, dann ist er da. Auf Children Of Darkness der Taipeh-Band Dope Purple wahren E-und Bass-Gitarre lange die Ordnung und halten damit gleichzeitig die Spannung hoch: ihr mantra-artiges Spiel sorgt dafür, dass man das Chaos immer noch antizipiert, obwohl das Saxofon längst quietscht und der Alarm der Synths klingt als verkündete er ein zweites Leck im Reaktor. Und dann geht das weiter. Weiter und weiter und tiefer rein. Der Psych-Rock von Dope Purple zeigt keinerlei Interesse, das Licht am Ende des Tunnels zu finden. Ergeben statt Erheben ist name of the game.

Große Müdigkeit, verwaschene Streicher, schleppende Drums, Brit-Spoken-Word. »You always waiting for something to happen – and I ask you: for nothing to happen«. Irgendjemand musste den Job übernehmen, dass diese spezielle, ureigene urbane Melancholie auch 2025 gut abgebildet ist, die flüchtige Liebe und die mit dem Sonnenaufgang verpuffende Euphorie. Und niemand hat das so schön, so greifbar im vergangenen Jahr hingekriegt wie Felicity J Lord.

Die größte Qualität von gutem Ambient ist Zeitlosigkeit. Weshalb sich ishomes Album Carpet Watcher auf Galaxiid, dem Sublabel von Nina Kraviz’ Trip, ruhig anhören darf wie die bestmögliche Synthese aus Boards of Canada und Biosphere. Über eine Stunde hinweg zelebriert die LP ihre Lebendigkeit und fordert volle Aufmerksamkeit, ob mit spitzen, haptisch perlenden Synths, die durch den Hangar einer verlassenen Raumstation mäandern, oder Songs, die sich von abseitigen, kühlen Spoken-Word-Landschaften zu vollwertigem, mehrstimmigem Pop aufschwingen, der durchs Orbit zuckelt.

James K liefert mit Friend eine dieser Platten, die 2025 wie ein leises Warnsignal wirken. Sie ist verletzlich, sirrend und störrisch schön. Zwischen Noise-Flimmern und behutsamen Flüstereien, die unter die Haut gehen, baut sie intime Räume, die zugleich brüchig und futuristisch klingen. Friend gehört in die Jahresliste, weil kaum jemand die Gegenwart so hellhörig zerlegt und dabei trotzdem Nähe wagt.

Wenn man stotterst, ist eines der Worte, die man am häufigsten stottert: der eigene Name. JJJJJerome Ellis griff, um eine andere Ausdrucksmöglichkeit als Sprache zu finden, irgendwann zum Saxophon. Er fand heraus: Er stotterte immer noch – aber anders. Versper Sparrow strahlt die Tiefe, die nur von Künstler:innen ausgehen, die die eigenen Limitierungen genau kennen und daraus ureigene Tugenden entwickelt haben. Klanglich ist das der inoffizielle Nachfolger zu Laurel Halos Atlas – und das ist ganz sicher eines der besten Alben der 2020er bisher.

Sich morgens schon besoffen fühlen, ohne nur einen Tropfen angerührt zu haben. Geht mit Joss Turnbull, wenn dieser in scheinbar völlig zufälliger Reihenfolge seine Percussion schlägt, reibt, kitzelt, zwickt, streichelt, antippt und die überraschten Reaktionen der Instrumente durch Effektgeräte schickt. Dazu stöhnt, ruft, murmelt er auf Turmoil und lässt alles in einem chaotischen Derwischtanz kollidieren. Da schwirrt der Kopf, drehen sich Augen, aber die Hüfte… die Hüfte ahnt einen betörenden Groove.

Wenn Maurice Louca Musik macht, öffnet er die Büxe nicht ein Stück weit, er lässt immer gleich den ganzen Schwarm raus. Seine Kompositionen sind wie eigene Organismen, wachsende Körper, die einen umwirbeln, einen mitreißen in den Strudel, der eine Stadt wie Cairo ja überlieferterweise wohl ist. So pointiert komponiert wie auf Bariiy (Fera) hat der ägyptische Musiker wahrscheinlich noch nie: Die Stücke haben trotz ihrer charakteristisch wimmelnden Art einen starken inneren Zusammenhalt und eingängigen Groove. Fera ist der Puls, den man haben will – alles andere wäre nur halb lebendig.

Mohammad Mostafa Heydarian spielt eines der ältesten Instrumente überhaupt, die Langhalslaute Tanbur, aber der kurdische Virtuose interessiert sich kaum für die bloße Traditionsverwaltung. Mit Noor-e-Vojood macht der 23-Jährige aus Kermānshāh stattdessen dort weiter, wo er 2021 zusammen mit dem Dāf-Spieler Behzād Varāshte auf seinem Debüt Songs Of Horaman aufgehört hatte. Größtenteils im Alleingang tätig – bei den beiden längsten Stücken ist Mortezā Rezāei an der Percussion zu hören –, differenziert Heydarian seinen zwischen introspektiver Ruhe und rasender Energie oszillierenden Kompositionsstil weiter aus. Herausgekommen ist das wildeste Akustik- Release diesseits der neuen Senayawa-Platte, durch und durch innovativ.

Die Vorab-Single von OHYUNGs Drittwerk You Are Always on My Mind war eine Überraschung: no good hatte herzlich wenig mit den sanften Ambient-Klängen des Vorgängers imagine naked! zu tun und aber alles mit dem Pop-on-a-Beat-Stil, den Mica Levi und Tirzah vordefiniert hatten. OHYUNG geht indes andere Wege, zollt sowohl dem Hip- als auch dem Trip-Hop, schräger elektronischer Musik und gelegentlich dem Dancefloor Tribut, alles abgerundet durch großzügig und doch effiziente eingesetzte Streicher-Samples. Laut Künstler:in hören wir »mein Trans-Ich und mein früheres Ich im Gespräch, aus beiden Perspektiven« und also ein Album voller musikalischer und emotionaler Kontraste, hier noch mit Gude-Laune-Garantie und dort schon absolut niederschmetternd.

Viel mag viel helfen, aber … irgendwas mit Köchen und Brei, ihr wisst schon. Der libanesische Allrounder Raed Yassin hingegen hat mit Phantom Orchestra als Sternekoch reüssiert. Das Mitglied des »A«-Trios und von Praed hat separat aufgenommene Improvisationen von 42 (!) Berliner Musiker:innen zu einer konsistenten, kohärenten siebenteiligen Suite zusammencollagiert; ein nachdrücklicher Reminder daran, dass selbst die gigantösesten Monumente auch dann die Summe ihrer Einzelteile sind, wenn sie mehr darstellen. Und ein Album, gegen das selbst die größten genreflexibelsten Bands unserer Zeit – egal, ob euch das nun an Sleep Token, Godspeed You! Black Emperor oder Neptunian Maximalism denken lässt – wie stümperhafte Rülpspunks aussehen.

Leicht vom Schuss aufgeführter Bedroom-Pop, der catchy sein darf, auch wenn er sich konsequent für die Umwege entscheidet. Was Raisa K, deren Freundschaft zu Mica Levi unüberhörbar ist, serviert, ist ein bisschen leiernd, ein wenig verhangen und sehr, sehr großartig. Manchmal spielt nur ein Bass mit, aber was sie aus diesen kleinen Song-Experimenten herausholt und dabei so intim klingt, dass es sich fast falsch anfühlt, sie laut zu hören, sollte nicht ignoriert werden. Diese Form von windschiefem Art-Pop erlebt zum Glück gerade eine Hochphase, klingt aber selten so faszinierend wie hier.

Über einen Zeitraum von zehn Jahren soll Sabbatical, das vierte Album der Berliner Künstlerin Rosa Anschütz, entstanden sein. Kein Sabbatjahr, ein Sabbatjahrzehnt also, das mit einer durchaus größeren musikalischen Bandbreite als seine Vorgänger daherkommt und gerade deshalb im Ohr bleibt. Sabbatical, erschienen auf Heartworm Press, ist ruhig - melancholisch und düster, ehrlich und überlegt. Schon mit dem Vorgänger Interior löste sich Rosa Anschütz aus der stilistischen Einbahnstraße, in die sie durch den pumpenden Kobosil-Remix geschoben wurde. Sabbatical knüpft daran perfekt an.

Dass Lux mit seinem epochalen Avantgardismus, seiner hochkreativen Orchestrierung sicherlich beeindruckt, vermutlich aber unspaßig oder gar anstrengend sein könnte, dachte ich vor meinem ersten Hördurchgang. Wie ich im Unrecht war: Das neue Album von Rosalía ist eine ultraemotionale Gänsehaut-Maschine, ein genialer Songzyklus voller Ambition und Talent. Meisterwerk! Die spanische Flamenco-Sängerin ist endgültig zur Art-Pop-Göttin geworden; wer auf der Suche nach einer aktuellen Björk ist, muss nur in ihre Richtung schauen.

Dieser Banger kommt aus dem Libanon. SANAM machen mittelöstlichen Prog, golden im staubigen Sonnenlicht glänzenden Kraut, irgendwie auch eine andersstoffliche Version von Dream-Pop. Sametou Sawtan steckt so voller Wehmut und Ausbruchsgeist zugleich, dass es einen als Hörer aus allen Richtungen am Herzlein zieht. Die Musik schöpft aus dem Vollen, klanglich wie spirituell, und ist so SO gut produziert und gemastert: satt, sinnlich, einprägsam.

Von Kraftwerk über D.A.F. bis hin zur Salon-des-Amateurs-Clique ist das musikalische Erbe Düsseldorfs über die Jahrzehnte gigatonnenschwer geworden, doch Sequence Of Events schultern diese Last mit Leichtigkeit. Joshua Gottmanns und Deniz Ahmet Saridas, selbst Alumni des Salons, präsentieren sich auf ihrem Debüt The Art of Memory als ausgefuchste Adepten des von Kreidler und Co. vorgeprägten Post-Industrial-Sounds mit Dub im Unterboden und ziemlich scharfen Kanten, geben den bewährten Formeln aber einen neuen Spin. Auf elf Tracks vereinen die beiden anarchischen Autodidakten pluckernde Grooves mit Punk-Attitüde und hin und wieder unvermittelt ins Getriebe triefende Sentimentalität.

Gingen sie heute noch zur Schule, gehörten Henriette Motzfeldt und Catharina Stoltenberg sowohl zu den Cool Kids als auch Weirdos. »I heard that they broke up, hahaha«, singt die eine mit einer Gleichgültigkeit, wie sie nur chronische Zyniker mit Herzschmerz beherrschen. Mal flirty, mal melancholisch werden so die (Un-)Erträglichkeiten der Großstadt vorgetragen. Mit schwermütigen Beats und pointierten Ein-Finger-Klavierriffs ist Big City Life von Smerz eigentlich reines Understatement, aber mit Ansage.

Was geht hier eigentlich ab? Die keltische Kappelle Trá Pháidín (9 Musizierende!) hat mit AN 424 ein Album veröffentlicht, das wirklich ein ganz anderer Trip ist. Bikini-Bottom-Post-Rock? Pub-Folklore? Klar ist: Die Steilküste ist beständig nahe with this one. Das Konzept macht hier tatsächlich Musik. Laut einer Karten-App bringt einen die Buslinie 424 von Gallway nach Leitir Meallaín, in 1:42h. Es geht am Meer entlang in die Abgeschiedenheit. Und dieser schunkelnd getriebene Fideljazz klingt einfach ganz genauso windig und steinig und grün, wie man sich die Landschaft stereotyperweise vorstellen würde. 




Xexa sticht selbst im Roster von Príncipe hervor. Ihr Debüt Vibrações de Prata ging in den Dialog mit Ambient und Jazz, und obwohl »Kissom« mit mehr Beats arbeitet und unter anderem Kizomba-Rhythmen zitiert, scheint Xexa weiterhin kein Interesse daran zu haben, es ihren Labelkolleg:innen auf dem Dancefloor gleichzutun. Stattdessen arbeitet sie mehr mit der Stimme und schafft einen ebenso lo-fi wie low-key Ambient-R’n’B-Sound, der gleichermaßen eigenwillig wie einladend ist. In einer besseren Welt würden wir darüber statt über fka twigs und Rosalías peinliche Ausflüge in die Clubszene reden.