Music Essay | verfasst 04.06.2019
Cool Japan
Warum japanische Musik ein Revival feiert (Teil 2)
Seit geraumer Zeit stehen Reissues japanischer Alben aus den Achtzigern hoch im Kurs. Warum, erforscht unsere zweiteilige Serie »Cool Japan Forever«. Teil zwei widmet sich dem experimentellen Sound der japanischen »Bubble Economy«.
Text Kristoffer Cornils
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Teil 2: City Pop, Shibuya-kei? New Age und Ambient!

Die 1980er Jahre waren in Japan vom hochglänzenden Techno-Pop und dem smoothen Sound des City Pops geprägt, die mit ihrer slicken Ästhetik den Reichtum dieser Zeit spiegeln: Japan wurde zum Vorreiter im Technologiesektor und die Wirtschaft explodierte geradezu. Spätestens ab 1985 kam es zur baburu keiki, der »Blasenhochkunjunktur«, einem massiven wirtschaftlichen Aufschwung, in dessen Verlauf bis zum Jahr 1989 das Bruttonationaleinkommen um satte 30 Prozent stieg. Während Techno-Pop wie ein einziges Werbe-Jingle für die japanische Unterhaltungselektronik klang, bezog sich City Pop stark auf die Musik von Haroumi Hosonos früherer Band Happy End, AOR und Jazz-Fusion. Der Sound des Fortschritts und der einer nie gekannten Lebensqualität standen friedlich nebeneinander.

City Pop ist ein stilistisch schwammig umrissenes, ästhetisch aber sehr zeitgeistiges Genre. »Praktisch jedes Achtziger-Album mit Bildern von Swimming Pools auf dem Front-Cover gehört schätzungsweise dazu«, frotzelt Ian F. Martin im Buch »Quit Your Band. Musical Notes From the Japanese Underground«. YMO, genauer gesagt Hosono und Sakamoto sowie das temporäre YMO-Mitglied Akiko Yano waren an der Genese von City Pop maßgeblich beteiligt, doch sollte es ein zeitlich begrenzter Hype bleiben. Nur die wenigsten Projekte wie etwa Dip In The Pool konnten sich in die 1990er Jahre hinüberretten.

Im Falle des gemeinsamen Projekts von Miyako Koda und Tatsuji Kimura liegt das wohl auch daran, dass sich ihr kosmopolitischer Ansatz mal in japanischen, mal englischen Lyrics ausdrückte – was wie im Falle YMOs dazu führte, dass sie weder ihre regionale Fanbase verprellten noch ihrem internationalen Publikum Rätsel aufgaben. Doch für City Pop war gegen 1990 das Ende der Musikgeschichte erreicht: Als die Blasen der bubble economy platzten und Japans Markt in den freien Fall geriet, fiel auch die City Pop-Industrie in sich zusammen. Mit dem Reichtum schwand über Nacht auch der Soundtrack dazu.

Turning American, Turning Japanese?

Doch hatte sich 1985 schon das nächste Phänomen angekündigt: Pizzicato V debütierten mit einer – natürlich von Hosono produzierten – EP und legten damit den Grundstein für Shibuya-kei. Was genau den »Shibuya-Style« ausmacht, das ist bis heute umstritten. Die regionale Verwurzelung im gleichnamigen Tokioter Stadtteil ist ein Faktor, die nur mehr oder weniger affirmativen Anleihen an City Pop ein anderer. Vor allem aber es war es die Wiederaufnahme des US-amerikanischen Pops der 1960er Jahre. Der wurde für Bands wie Pizzicato V oder Flipper’s Guitar zum Vorbild, deren Mitglied Keigo Oyamada später als Cornelius eine erfolgreiche Solo-Karriere als Shibuya-kei-Aushängeschild starten sollte.

Es scheint nur naheliegend, auch die Entstehung von Shibuya-kei in einen wirtschaftlichen Zusammenhang zu stellen: Nachdem City Pop die Aufbruchstimmung der 1980er Jahre repräsentierte, lässt sich Shibuya-kei als Rückzug nach dem fatalen Zusammenfall der bubble economy verstehen. Geschmack war nicht mehr ideologisches Lifestyle-Produkt, das einen kosmopolitischen Status repräsentierte, sondern aufwändige Kuration konsumatorischer Vorlieben – eine Art postmodernes Biedermeier. Cooles Wissen statt »Cool Japan«, Nostalgie statt Fortschrittswille. Derweil zeitgleich House und Techno dank Innovatoren wie Soichi Terada und Ken Ishii auch in Japan ankam und J-Pop sich endgültig elektronisierte, ging es mit Shibuya-kei einen Schritt in der Musikgeschichte zurück.

In den 1980er Jahren war vor allem die US-amerikanische Gesellschaft mehr als skeptisch, weil das Tätervolk von Pearl Harbour mittlerweile die heimische Auto- und Elektronikindustrie zu überholen drohte: japanische Walkmans, japanische Autos, US-amerikanische Musik, die auf japanischen Synthesizern und Drummachines gespielt wurde – würden wir etwa, schluck, alle japanisch werden?

Der Musikjournalist Simon Reynolds sah wohl auch deswegen in Shibuya-kei einen Vorläufer dessen, was er 2011 im gleichnamigen Buch als »Retromania« bezeichnete, die unbändige Sucht der (westlichen) Popkultur nach ihrer eigenen Vergangenheit. Ihre Marker: »Pastiche, Plagiarismus, völlige Lossagung von geografischen und historischen Wurzeln«. Reynolds argumentiert vor allem über das Verhältnis der japanischen Gesellschaft zum Konzept der Originalität: Während im Westen der reinen Nachahmung ein untergeordneter Wert zugeschrieben wird (das Original ist mehr wert als die Kopie), ist das in südostasiatischen Kulturen nicht unbedingt der Fall (eine gute Kopie kann dem Original überlegen sein). Im Shibuya-kei äußerte sich diese Mentalität in einer Haltung, die Reynolds als »Kuration-als-Kreation« bezeichnete. Musik wurde vorwiegend gesammelt und gesampelt, nicht mehr eigenständig komponiert.

Reynolds bringt allein mit der Kapitelüberschrift »Turning Japanese« allerdings auch ein nahezu panisches Gefühl auf den Punkt, mit dem während der Hochphase der bubble economy nach Japan geschaut wurde. In den 1980er Jahren war vor allem die US-amerikanische Gesellschaft mehr als skeptisch, dass das Tätervolk von Pearl Harbour – dass der Angriff mit gleich zwei Atombomben und einer jahrelangen Besatzung vergolten wurde, spielte offenbar keine Rolle – mittlerweile die heimische Auto- und Elektronikindustrie zu überholen drohte. Japanische Walkmans, japanische Autos, US-amerikanische Musik, die auf japanischen Synthesizern und Drummachines gespielt wurde – würden wir etwa, schluck, alle japanisch werden? Der Mythos der yellow peril, neu aufgelegt für die globalisierte Logik des Spätkapitalismus.

Interessanter Weise wurde aus Japan heraus unter umgedrehten Vorzeichen ähnlich argumentiert: Der Theoretiker Hiroki Azuma beispielsweise schrieb im Jahr 2001 in seinem Verkaufsschlager »Otaku. Japan’s Database Animals« von einer »Amerikanisierung« der japanischen Kultur. »Turning American« statt »Turning Japanese«? Vielleicht lässt sich die Wahrheit in der Mitte dieser beiden Aussagen finden, das heißt in einem beständigen Austausch. Ein Austausch, der ab Anfang der 1980er Jahre spätestens nicht mehr allein auf der transatlantischen Achse zwischen den USA und Japan stattfand.

Unfälle zwischen globalem Süden und Fernost

In den 1970er Jahren erweiterte sich die florierende Rock-Szene Japans in zwei Richtungen gleichzeitig. Einerseits nahmen Bands wie die Taj Mahal Travellers wie auch ihr Mastermind Takehisa Kosugi in seinem Schaffen als Solo-Künstler Elemente aus anderen Kulturen, vor allem der indischen, mit auf. Andererseits arbeiteten Gruppen vermehrt mit elektronischen Mitteln, wie auch Osamu Kitajima 1974 auf »Benzaiten«, einer irren Fusion aus Psychedelic Rock und klassischen japanischen -Elementen mit großzügigem Synthesizer-Einsatz, oder aber die Far East Family Band, die gleich mit dem Krautrock-Chefknöpfchendreher Klaus Schulze ins Studio gingen. Und natürlich, wie immer, Hosono, der nicht nur bei der Produktion von »Benzaiten« seine Finger im Spiel hatte, sondern auch mit Solo-Alben wie »Cochin Moon« 1978 Musique conrète-Techniken mit exotistischen Momenten und Pop-Appeal zusammendachte. Auch Akiko Yano, die ihn und Sakamoto noch vor der Gründung als YMO als Backing Band anheuerte und die 1977 mit »Iroha Ni Konpeitou« erstmals mit Synthesizern von Moog und anderen experimentierte, legte damit den Grundstein für das neue Zeitalter der (Pop-)Kultur in Japan.


Die Schallplatten zum Essay über das Revival japanischer Musik findest du im Webshop von HHV Records.


An Alben wie diesen zeichnete sich Ende der 1970er Jahre ab, dass die japanische Popkultur ihre Einflüsse nicht mehr allein aus den USA oder dem UK bezog und zugleich die landeseigenen technologischen Entwicklungen direkt in seine neuesten Erzeugnisse mit aufnahmen. Parallel zu noizu und dem slicken Techno-Pop bildete sich deshalb Ende der 1970er langsam aber sicher etwas Anderes, Eigenes und schwer Kategorisierbares heruas, das sich auf die frühen elektronischen Experimenten und Fluxus-inspirierten Gruppen der 1950er und 1960er Jahre zurückführen ließ: Avantgarde, Technologie und traditionelle Elemente aus aller Welt trafen aufeinander.

Schon im japanischen New Wave der frühen 1980er Jahre lassen sich reihenweise Alben finden, die keine stilistischen Grenzen zu kennen scheinen. Neben Yano und dem Yen-Label widmete sich eine Vielzahl von kurzlebigen Bandprojekten und Solo-KünstlerInnen einer stilistischen Bricolage, die zwischen (Post-)Punk und Stadion-Rock, Reggae, Jazz und Synth-Pop scheinbar alles zuließ. Einige Projekte gingen noch weiter – das heißt einen Schritt rückwärts in die Zukunft. Wenn Yasuaki Shimizu heute in Hinsicht auf seine Band Mariah sagt, dass er damals »Punk« gewesen wäre und »subversiv sein« wollte, dann transportierte sich das musikalisch vor allem durch eine bemerkenswerte Lust am Verschmelzen von vielerlei Einflüssen und weniger in einer waschecht-ungewaschenen Mittelfingerhaltung. Denn wo YMO noch leise Gesellschaftskritik laut werden ließ, hatte Punk in Japan ähnlich wie noizu nicht zwangsläufig mit Anti-Establishment-Mentalität zu tun.

Ende der 1970er langsam aber sicher etwas Anderes, Eigenes und schwer Kategorisierbares, das sich auf die frühen elektronischen Experimenten und Fluxus-inspirierten Gruppen der 1950er und 1960er Jahre zurückführen ließ: Avantgarde, Technologie und traditionelle Elemente aus aller Welt trafen aufeinander.

Der wirtschaftliche Reichtum und das kulturelle Sendungsbewusstsein Japans zu dieser Zeit färbten auch auf den Underground ab. Ein gutes Beispiel ist die mittlerweile legendär gewordene erste LP des Mkwaju Ensembles um Midori Takada, Junko Arase und Yōji Sadanari auf Better Days. Die Nippon Columbia-Subdivision bot zwischen 1977 und 1984 vielen ähnlich gelagerten Projekten und MusikerInnen wie Colored Music, Wha-ha-ha, Children of Earth oder dem Pecker/Pecqre-Projekt von Mkwajo-Percussionist Masahito Hashidas sowie, eh klar, Ryūichi Sakamoto, Shimizu und dessen Band Mariah eine Heimat. Während auf dem Label auch relativ strenger modaler Jazz von Fumio Itabashi oder irre Fusion von Kazumi Watanabe erschien, fand sich auf »Mkwaju« unter den Augen von Produzenten Joe Hisashi – kurz vor seinem Durchbruch als Filmkomponist für das Studio Ghibli – ein wildes Potpourri aus Stilen zusammen: Minimal Music, selbst über das Schaffen von etwa La Monte Young indisch geprägt, traf auf irgendwie afrikanisch klingende Rhythmen, die von Covergestaltung und Titel unterstrichen wurden.

Der Ergebnis klingt auch deswegen so sonderbar und einzigartig, weil sich der genuin afrikanische Einfluss von Takadas Percussion-Arbeit aus lediglich zwei Alben mit Field Recordings aus Tansania und Zimbabwe speiste. Im Kern macht das »Mkwaju« eigentlich zu einer politisch zwiespältigen Angelegenheit: Ohne tiefergehende Kenntnis wird ein vages Bild von Afrika zur Schablone für eine Platte, die irgendwo zwischen globalem Süden und Fernost köstlich verunglückte. Die Nachfolge-LP »KI-Motion« des Mkwaju Ensembles sowie Takadas Solo-Arbeiten auf unter anderem ihrem YouTube-favorisierten Klassiker »Through The Looking Glass« oder ihre Kollaboration mit dem Musique concrète-inspirierten Jazz-Pianisten Masahiko Satō verbreiterten diesen Ansatz unter Zugabe von viel Synthesizer-Einsatz und einem gerüttelt Maß an Unbekümmertheit.

Dass heute das Gros der frühen Veröffentlichungen vom Mkwaju Ensemble, Takada oder Shimizu trotz ihrer Nähe zu nervenberuhigender Elektronik, Drone und Minimal Music als Ambient kategorisiert werden, ist nicht ganz korrekt. Am ehesten liegt der Vergleich mit dem nahe, was Jon Hassell zur ziemlich genau selben Zeit »Fourth World Music« taufte. Doch mit der Fourth World Music gehen Fourth World Problems einher. Die nach Indien oder Afrika lauschenden Kompositionen zementieren auf ähnliche Art wie Hassell die Unterschiede zwischen sogenannter Erster und Dritter Welt: Hier die hochtechnisierte Zivilisation im Zentrum des weltweiten kulturellen Diskursen, dort primitive Folklore von den Peripherie der Welt, die als exotisches Topping verwendet wird.


Die Schallplatten zum Essay über das Revival japanischer Musik findest du im Webshop von HHV Records.


Im Falle Japans ist die Angelegenheit ambivalenter, als es zuerst scheinen mag. Einerseits war das jahrhundertelang hermetisch abgeschlossene Kaiserreich als Teil der Dritten Welt im Jahr 1854 der Kanonenbootpolitik der USA zum Opfer gefallen und musste sich fortan für den weltweiten Handel öffnen. Im Laufe der darauf folgenden Meiji-Restauration zwischen 1868 und 1890 jedoch rappelte sich der Inselstaat schnell auf und etablierte sich im Pazifik innerhalb weniger Jahrzehnte selbst als Kolonialmacht.

Die Folgen davon sind bis heute nicht aufgearbeitet. Die Minderheit, welche während der Kolonialherrschaft Japans in Korea zwischen den Jahren 1910 und 1945 einwanderte, ist immer noch weitgehend rechte-, teilweise sogar staatenlos. Die indigenen Bevölkerungen Okinawas und der Ainu, deren eigenen musikalischen Beiträge zuletzt mit der Dokumentation »Kapiw & Apappo: A Tale of Two Ainu Sisters« und der Aufbereitung von Umeko Andos Schaffen internationale Aufmerksamkeit erhalten haben, werden weiterhin diskriminiert. Der Literaturnobelpreisträger Kenzaburō Ōe sprach in einem 1986 gehaltenen Vortrag von Japans »dualer Identität«: »Wir sind oftmals Aggressoren gegenüber Nationen der Dritten Welt, von der wir wiederum selbst de facto ein Mitglied sind.«

Musik für andere, bessere Sphären: Ambient

Im Zeitalter des »Cool Japan« fand die aggressive japanische Außenpolitik auch in der Musik einen ungleich sanfteren Ausdruck, denn ohne die wirtschaftliche Dominanz Japans auf dem Weltmarkt einerseits und der staatlich angestrebten Etablierung des Landes als »soft power« wäre sie so kaum möglich gewesen. Für Musikschaffende waren die ökonomischen und sozialen Gegebenheiten in jeder Hinsicht ideal. Die ungewollt staatstragende Rolle der Musik wird von der rückblickenden Personality-Archäologie um Takada oder Shimizu jedoch ebenso wenig mitreflektiert wie von den zahlreichen dieser Zeit gewidmeten Compilations, welche sich vor allem auf sehr leichte und lichte Sounds fokussieren. Funk, Soul, City Pop zum Abfeiern hier, Ambient und New-Age-Musik zum Wegträumen dort.

Vor allem Ambient und New Age griffen ab Anfang und Mitte der 1980er Jahre Vierte-Welt-Ideen auf und verdichten sie in Musik, die wie aus anderen, besseren Sphären zu kommen scheint. Das bereits Mitte der 1970er Jahre gegründete Kollektiv Geinō Yamashirogumi, bekannt vor allem für seinen »Akira«-Soundtrack, oder Yas-Kaz aus dem Umkreis der New Age-Gruppe Himekami experimentierten hier mit choralen Elementen aus Südosteuropa, dort mit Gamelan und Ideen aus der Minimal Music ebenso wie von John Cage etablierten Kompositionstechniken. Während sich ein Komponist wie Satoshi Ashikawa eher auf klassische Tasteninstrumente konzentrierte, bauten sich Produzent*innen wie Hiroshi Yoshimura ihre eigenen Klangwelten aus den neuen Mitteln der hochtechnologisierten Zeiten.

Analog zu New Age im Westen zeigt sich viel japanischer Ambient von esoterischen oder exotistischen Ideen geprägt, als Bewegung allerdings ist es vor allem Ausdruck einer sich immer schneller drehenden Welt.

Japanischer Ambient lebt als weitreichende Tradition in die Gegenwart weiter, fortgetragen wurde es unter anderem von Sakamoto, aber auch der 2015 verstorbene Susumu Yokota, dessen Werk zwischen Clubmusik und stillen Tönen oszillierte. Mehr noch als im Westen prägten sich verschiedene Stile heraus, die jedoch betont hintergründig klangen. Analog zu New Age im Westen zeigt sich viel japanischer Ambient von esoterischen oder exotistischen Ideen geprägt, als – ähnlich wie noizu nicht als Szene auftretende – Bewegung allerdings ist es vor allem Ausdruck einer sich immer schneller drehenden Welt. Der wurde nur temporär entflohen, eine organische Gegenkultur bildet sich nicht. Im Gegenteil.

Die aufwändig gestaltete Sammlung »Kankyō Ongaku. Japanese Ambient, Environmental & New Age Music 1980-1990« auf Light In The Attic beispielsweise wurde von Spencer Doran vom Fourth-World-Projekt Visible Cloaks zusammengestellt und stellt kommerzielle Auftragsarbeiten neben frei Kompositionen: Werbehintergrundmusik trifft auf Alltagshintergrundmusik, der reine Zweck auf die zwecklose Reinheit des Klangs. Kommerz und Kunst: ein und dasselbe? Die auf der Compilation versammelten Stücke stehen sinnbildlich für das »neue Zeitalter der Kultur«, welches der japanische Premier Masayoshi Ōhira 1979 ausgerufen hatte und das »Kankyō Ongaku« wohl nicht ohne Grund von seinen Anfängen hin zum Platzen der bubble economy verfolgt. Mehr Erste Welt als in den 1980er Jahren war in Japan selten zuvor, oder sogar danach. »Soft power« und sanfte Sounds fanden in logischer Konsequenz zusammen.

Als wir japanoid wurden

Während der 1980er Jahre schritt auch der kulturelle Austausch zwischen Japan und dem Westen – vielleicht erstmals wirklich auf Augenhöhe – so weit fort, dass sich eine hybride Kultur bildete. So zumindest argumentierte der Literaturwissenschaftler Takuyuki Tastumi 2006 in seinem Buch »Full Metal Apache. Transactions Between Cyberpunk Japan and Avant-Pop America« anhand ausgewählter literarischer Beispiele. Dem Orientalismus, mit dem der Westen in das florierende Japan schaute, begegnete ihm zufolge ein »Okzidentalismus«, mit dem sich der Inselstaat einerseits über etwa die USA beugte. Die Welt, schrieb er 2002 in einem bahnbrechenden Essay, sei über das transatlantische Hin und Her zwischen US-amerikanischer und japanischer Kultur »japanoid« geworden. »Wir alle leben und genießen die chaotischen Verhandlungen zwischen den orientalistischen Stereotypen von Fujiyama-Geisha-Sushi-Harakiri und die okzidentalistischen Stereotypen von Kennedy-Monroe-Gone-with-the-Wind.«

Eine sich genuin aus dem Underground bildende Szene wie noizu hatte es wohl auch deswegen schwer, im Westen breitenwirksam Anklang zu finden: Es fehlten die historischen Abziehbilder und westlichen Vergleichsmaßstäbe. So wurde sie zur Zielscheibe von wirren Vorurteilen. Da noizu ein Extrem verkörperte, kann es umso schneller als Fremdes identifiziert und exotisiert werden. Die bereits an sich hybride Musik jedoch, welche sich aus den Anfängen der elektronischen Musik in Japan in den fünfziger und sechziger hin über die freiförmige Rock-Szene der 1970er Jahre im »neuen Zeitalter der Kultur« entwickelte, wirkt ungemein faszinierend – ob nun der AOR-inspirierte City Pop, der hochglänzende Techno-Pop, Ambient oder wie auch immer sich die Musik des Mkwaju Ensembles und anderen kategorisieren ließe. Denn sie war japanoid und verhandelte Stereotype, die sie aus Indien oder Afrika, US-amerikanischer Minimal Music oder Jazz bezog, mit den hochtechnologischen Mitteln der Gegenwart.

In dieser Musik, so unterschiedlich sie zueinander auch sein mag, klingt an, dass das bessere Leben im globalisierten Kapitalismus doch zu erreichen sei, dass die Welt erfolgreich zusammenwachsen könnte.

In dieser Musik, so unterschiedlich sie zueinander auch sein mag klingt an, dass das bessere Leben im globalisierten Kapitalismus doch zu erreichen sei, dass die Welt erfolgreich zusammenwachsen könnte. Ein Zufall ist es wohl kaum, dass eines der zentralen Labels dieser Zeit Better Days und das andere Yen hieß. Am Ende des zweiten Jahrzehnts dieses Jahrtausends ist indes mehr als deutlich geworden, dass die Visionen von damals nicht in Erfüllung gegangen sind. Nicht nur die weltpolitische Lage allgemein, sondern auch die wirtschaftliche Situation Japans hat sich alles andere verbessert. Vom demographischen Wandel gebeutelt, scheint dem Inselstaat buchstäblich die Zukunft wegzusterben. Nicht, dass es in Europa, den USA und anderswo in der Ersten Welt besser aussähe: Die Auswirkungen der Finanzkrise lassen alle Sicherheiten weiter erodieren, die geografischen und kulturellen Grenzen werden wieder hochgezogen.

Die Musik des »Cool Japan« bietet sich zur Weltflucht, wenn nicht eher noch zum japanoiden Worldbuilding an. Ein riesiger fiktiver Reset-Button, zurück auf Anfang: Wir versuchen es aus genau diesem Geist heraus noch einmal. Deswegen lieben alle Japan, vor allem die experimentelle und elektronische Musik der späten 1970er und frühen 1980er Jahre: Weil in ihr die neue Hoffnung von damals hörbar wird. Die Idee einer möglichen Zukunft, so viel verlockender als unsere Gegenwart.


Weiterlesen: Hier geht es zum 1.Teil von Cool Japan«: Frühe elektronische Musik, Noise und Techno-Pop.

Dein Kommentar
1 Kommentare
26.06.2019 20:36
monolith2063:
Ich muss mich doch ernsthaft fragen, wie man einen Artikel über japanische elektronische Musik - speziell den New Age Teil - machen kann, ohne darin Kitaro zu erwähnen. Besonders, wenn man darin sogar die "Far East Family Band" erwähnt und ihre Zusammenarbeit mit Klaus Schulze - Kitaro war Keyboarder bei der FEFB und wurde durch Klaus Schulze beeinflusst. Er verließ später die Band und wurde zu einem der bekanntesten japanischen Solo-Künstler. New Age begann bei ihm bereits in den 1970er Jahren und nicht erst in den 80er oder 90er Jahren. Weltbekannt wurde er durch seine Soundtracks für die japanische Doku-Serie "Silk Road". Er macht bis heute aktiv Musik, gibt Konzerte, war mehrfach bei den Grammy-Awards nominiert und gewann ihn auch schon.
Weiterhin vermisse ich Susumu Hirasawa bzw. seine Band "P-Model" oder auch eine Erwähnung von Altmeister "Tomita" mit seinen Umsetzungen klassischer Musik mit Hilfe von Synthesizern.
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The Notwist
»Es ist immer ein Zurückkommen«
The Notwist sind wieder da. Sieben Jahre haben sich die Brüder Markus und Michael Acher Zeit gelassen, mit Cico Beck einen Ersatz für Martin Gretschmann gefunden, und einen Klang gefunden, der universeller ist als je zuvor. Ein Interview.
Music Kolumne
Records Revisited
Brian Eno & David Byrne – My Life In The Bush Of Ghosts (1981)
Ethno-Sampling als Pop: Mit ihrem Album »My Life in the Bush of Ghosts« landeten Brian Eno und David Byrne 1981 einen Innovationshit. 40 Jahre später klingt das selbstverständlich. Dafür ergeben sich andere Schwierigkeiten mit dem Ansatz.
Music Interview
Common
»Befreiung fängt im Kopf an«
Sein neues Album trägt den Namen »A Beautiful Revolution Pt.1«, erschien bereits im Oktober digital und in diesen Tagen wird es nun auch auf Vinyl veröffentlicht. Wir nutzten die Gelegenheit mit dem Rapper aus Chicago zu sprechen.
Music Porträt
Zoviet France
Fiebertraum vom Ende
Keine Namen, keine Gesichter, keine Tradition: Zoviet France wollten als anonymes Kollektiv Anfang der Achtziger die Antithese zum orthodoxen Kunstverständnis formulieren – und wurden dabei zu Kultfiguren wider Willen. Bis heute.
Music Liste
Aigners Inventur
Januar & Februar 2021
Ist es Gott? Ist es Hesse? Ist es Domian? Nein, es ist zum Glück einfach nur der Aigner. Der hat die Gardinen seit Wochen maximalst zugezogen und schickt uns die erste Inventur des noch fast unbefleckten neuen Jahres aus dem Kabuff.
Music Liste
Aaron Frazer
10 All Time Favs
»Introducing« heißt das erste Soloalbum von Aaron Frazer. Als Schlagzeuger von Durand Jones & The Indications ist er aber längst kein unbekannter. Musikalisch geht’s in die Sechziger. Uns sagt er, was ihn wirklich musikalisch geprägt hat.
Music Porträt
On The Corner
Banger für das Hinterzimmer
Mit seinem Label On the Corner Records serviert Pete Buckenham einen berauschenden Eintopf aus afro-futuristischen Jazz-Konzepten und zeitgenössischen Street Grooves und stößt er heute bereits die Pforten zum Sounduniversum von morgen auf.
Music Liste
Jahresrückblick 2020
Top 50 Albums
Sprechen wir es aus: Musik ist in Gefahr, weil sie nicht gemeinsam erlebt werden kann und weil ihre Macher*innen sich seit Monaten in einer existenziellen Krise befinden. Auf Schallplatte gab es dennoch einiges zu hören, wie diese 50 Alben.
Music Liste
Jahresrückblick 2020
Top 20 12inches
Tanzen war 2020 nicht wirklich. Aber die Vinyl 12" war trotzdem ein begehrtes Format. Und zwar für Musik, die von einer Zeit nach der Katastrophe träumt. Hier sind unsere Top 20. Einen Bonus in Form einer Vinyl 7" gibt’s obendrauf.
Music Liste
Jahresrückblick 2020
Top 50 Reissues
Früher war alles besser, das reden wir uns schon seit geraumer Zeit ein und seit zehn, fünfzehn Jahren versucht uns die Reissue-Industrie in dieser zur Weltanschauung geronnenen Vermutung zu bestätigen. Hier sind die Top 50 Reissues 2020.
Music Liste
Jahresrückblick 2020
Top 20 Compilations
Werkeinstiege zu Beverly Glenn-Copeland und Sade, DJ-Mixe von etwa Helena Hauff und Avalon Emerson, Würdigungen, Geschichtslektionen: Die Compilations in 2020 brachten Schwung in das pandemisch und politisch kriselnde Jahr.
Music Liste
Jahresrückblick 2020
Top 20 Tapes
Das angebliche Tape-Revival ist schon alt genug, als dass seine Heraufbeschwörung durch wiederverwertungsgeile Feuilletons selbst bald ein Revival feiern könnte. Sei’s drum: Diese zwanzig Kassetten haben uns 2020 das Leben gerettet.
Music Porträt
The Silhouettes Project
Protest aus dem Underground
Kosher und Eerf Evil gründeten das Silhouettes Project, um dem Londoner Untergrund Struktur zu verleihen. Ihr selbstbetiteltes Album entstand in gemeinsamen Sessions der britischen Alternative-Rap-Szene.
Music Kolumne
Records Revisited
Coil – Musick to Play in the Dark (1999)
Magie als Klang, der lunare Energien ansammelt: Mit dem im Jahr 1999 veröffentlichten Album »Musick to Play in the Dark« schufen die Elektronik-Esoteriker Coil ihre größten Hymnen an die Nacht. Jetzt wurde es endlich neu veröffentlicht.
Music Porträt
Sault
Black is …
Sault sind die inoffizielle musikalische Stimme der Black Lives Matter Bewegung. Voll radiotauglichem Soul und Jazz, hinter dem die längst überfällige Revolution steht.
Music Kolumne
Aigners Inventur
November & Dezember 2020
Das Virus? Nah, unser furchtloser Kolumnist fürchtet nur eines hinter jeder Straßenecke: Clueso. Aigner schmeißt sich in fiktive Nachtbusse und bückt sich n zu den REWE-Spaghetti runter, weil die von Barilla wieder weggepreppt wurden.
Music Kolumne
Records Revisited
The Pharcyde – Labcabincalifornia (1995)
Pioniere im Andersdenken. Vor 25 Jahren wurden die überdrehten Klassenclowns von The Pharcyde auf ihrem zweiten Album »Labcabincalifornia« zu zynischen Antihelden. Daran trug auch ein damals unbekannter producer namens J Dilla Schuld.
Music Porträt
Tidal Waves
Die Welle reiten
Eine kräftige Welle hat schon so manchen Schatz an Land gespült. So gesehen passt der Name, denn das belgische Reissue-Label Tidal Waves sucht, findet und veröffentlicht verlorengeglaubte Perlen der Musikgeschichte.
Music Kolumne
Records Revisited
Four Tet – There Is Love in You (2010)
Als Four Tet Anfang 2010 das Album »There Is Love in You« veröffentlicht, muss er der Welt nichts mehr beweisen und setzt sich einem retromanischen und verbissenen Zeitgeist mit einem gerüttelt Maß Glückseligkeit entgegen.
Music Kolumne
Records Revisited
GZA – Liquid Swords (1995)
Vor 25 Jahren säbelte GZA sein erstes Solo-Album innerhalb des Wu-Tang-Universums raus, boxte im Schatten von Shaolin-Kriegern und machte seine Gegner mit Lines einen Kopf kürzer. Das Ergebnis nannte sich »Liquid Swords«.
Music Porträt
Mort Garson
Musik für Pflanzen und Menschen
Er war an über 900 Liedern beteiligt, erreichte Platz 1 der Billboard Charts, doch Mort Garsons heutiger Ruhm beruht auf einer Begegnung mit Bob Moog, den er überredete, ihm einen seiner Synthesizer zu überlassen. Eine Wiederentdeckung.
Music Kolumne
Records Revisited
Pet Shop Boys – Behaviour (1990)
»Behaviour« ist das Pet Shop Boys-Album schlechthin. Reflektierte Texte, die schon damals bewährten Hymnen-Melodien und Harold Faltermeyers analoge Produktion verschmolzen zu einem Klassiker, der keinen Staub ansetzen will.
Music Porträt
Dark Entries
Zwischen Disco, Goth und Porno-Soundtracks
Seit 2009 betreibt Josh Cheon sein Label für Undergroundiges aus den 1980er Jahren und solches, das es werden will. Nächstes Jahr wird er über 300 Schallplatten dort veröffentlicht haben. Wir stellen euch das Label aus San Francisco vor.
Music Interview
Makaya McCraven
»Ich grabe Sound aus«
Makaya McCraven ist einer der Jazzmusiker dieser Tage. Nicht nur seine Heimatstadt Chicago, sondern die ganze Welt scheint sich an dem freien Umgang mit dem Jazzerbe in seiner Musik zu inspirieren. Wir hatten die Chance zum Interview.
Music Liste
Record Store Day 2020 – 3rd Drop
12 Releases nach denen du Ausschau halten solltest
Am 24.10.2020 findet nun der dritte von drei Record Store Days in diesem Jahr statt. Dafür sind wiederum mehr als 120 exklusive Releases angekündigt. Wir haben daraus zwölf Schallplatten gepickt, die wir euch ans Herz legen wollen.
Music Porträt
Sade
Magie ohne Mysterium
Mit dem Box-Set »This Far« wird das Gesamtwerk von Sade neu veröffentlicht. Viel ist das nicht. Aber Sängerin Helen Folasade Adu ist nicht nicht nur der größte Superstar, der nie einer werden wollte – sondern singt nur, wenn sie es will.
Music Kolumne
Records Revisited
Godspeed You! Black Emperor – Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven (2000)
Das zweite Album des Projekts Godspeed You! Black Emperor ist ein Werk voller Widersprüche und Zweifel. Vor allem liefert es den Soundtrack zur Komplexität menschlicher Existenz im aufkeimenden Dogmatismus.
Music Porträt
Derya Yıldırım
Im Namen der Menschlichkeit
Für Derya Yıldırım ist Musik in erster Linie Ausdruck menschlicher Beziehungen. Mit der Grup Şimşek verbindet sie die Musik ihrer anatolischer Heimat mit unzähligen anderen Klängen und Melodien, die die Menschen erden.
Music Essay
A Journey Into Turkish Music
Gastarbeiter*innen Musik
Parallel zur Genese des Anadolu Pop entwickelt sich in der BRD eine virile Infrastruktur. Diese »Gastarbeitermusik« hat das öffentliche Bewusstsein stets nur gestreift. Der wirtschaftliche Austausch hätte ein kultureller sein können.
Music Essay
A Journey Into Turkish Music
Anadolu Pop
Altın Gün, Derya Yıldırım & Grup Şimşek oder Gaye Su Akyol: mehr und mehr Bands beziehen sich wieder auf den Sound des Anadolu Pop, der sich in den 1960er Jahren in der Türkei formierte. Aber ist es ein Revival? Wir klären auf.
Music Kolumne
Records Revisited
Mouse On Mars – Iaora Tahiti (1995)
Mit ihrem zweiten Album »Iaora Tahiti« haben Mouse On Mars schließlich den letzten überzeugt, dass schlaue Electronica in den Neunzigern durchaus auch aus good ol’ Germany kommen kann. In diesen Tagen wird das Album 25 Jahre alt.
Music Kolumne
Records Revisited
Radiohead – Kid A (2000)
Zwischen Bigotterie und Blasphemie liegt oft nur »Kid A«. Das vierte Album von Radiohead erschien am 2. Oktober 2000, tauschte Gitarren gegen Synthesizer – und begann mit einem Fehler.
Music Kolumne
Vinyl-Sprechstunde
Tolouse Low Trax – Jumping Dead Leafs
Der Mann, der einen Sound geprägt hat, ist zurück mit einem Langspieler. Die drei Männer, die nichts geprägt haben, sind zur Stelle, um sich über ihn zu unterhalten. Das ist natürlich eine tolle Sache.